100 великих русских художников
Здесь собраны лучшие произведения наших мастеров кисти от Айвазовского до Шильдера. Репродукции подобраны таким образом, чтобы не только разносторонне показать творчество художников, но и создать панораму отечественного изобразительного искусства в его развитии, выделить значимые стили и направления. Это не простая подборка красивых иллюстраций. Творчество каждого из представленных здесь художников можно уподобить одному фрагменту мозаики, а все вместе они создают неповторимую в своем очаровании симфонию русской живописи.
1817 - 1900
В
Иване Константиновиче Айвазовском
(Гайвазовском) органично сплелись огромный талант живописца, работоспособность
подвижника и активный патриотизм гражданина России. Родившийся на берегу Черного
моря в Феодосии, он спустя восемьдесят три года умер в ней же, оставив городу
художественную школу, картинную галерею, археологический музей, библиотеку.
Благодаря стараниям и участию Айвазовского к Феодосии была подведена железная
дорога, реконструирован порт, открыт концертный зал. За свою творческую жизнь
художник устроил более 120 выставок во многих городах России и за рубежом. С
1833 по 1837 год молодой Иван Айвазовский обучается в Петербурге в Императорской
Академии художеств. Среди его учителей — известный пейзажист и педагог М. Н.
Воробьев и французский маринист Ф. Таннер. Российскую и европейскую известность
принесли И. К. Айвазовскому картины, написанные им во время пенсионерской
поездки (1840 - 1844). В 1844 году ему присваивают звание академика, в этом же
году он становится живописцем Главного морского штаба, с 1847 И. К. Айвазовский
— профессор Академии художеств. Художник- романтик, художник-реалист написал за
свою жизнь более 6000 картин, заслужив признание и любовь современников и
любителей живописи всех последующих поколений. «Маринист Айвазовский по рождению
и по натуре своей был художник совершенно исключительный, живо чувствующий,
самостоятельно передающий, может быть, как никто в Европе, воду с ее
необычайными красотами», — напишет о живописце отечественный художественный
критик В. В. Стасов. Современник А. С. Пушкина, М. Ю. Лермонтова, К. П.
Брюллова, А. А. Иванова, Н. В. Гоголя, И. К. Айвазовский и сам достойно входит в
этот ряд великих сынов России.
1753 / 1754 - 1824
Поездки лучших выпускников Академии художеств на
стажировки в Италию и Францию в большой степени способствовали становлению в
XVIII веке российской живописи как светского искусства.
Федор Алексеев, посланный в Венецию для совершенствования в области создания театральных декораций, очень скоро проявляет свое настоящее предназначение. Его копии известнейших итальянских мастеров городского пейзажа (Беллотто, Гварди, Каналетто) принесли ему известность и, главное, материальную независимость, что позволило Ф. Алексееву полностью выразить себя в соответствии с призванием — впечатляюще воспроизвести на своих картинах виды Санкт-Петербурга, Москвы, других российских городов.
Его работы (Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости, 1794; Вид Казанского собора в Петербурге, Соборная площадь в Московском Кремле, Вид города Николаева, 1799; Вид на Биржу и Адмиралтейство от Петропавловской крепости, 1810; и др.) принесли Ф. Я. Алексееву признание современников как ведущего живописца городского пейзажа. Представленные работы позволяют и нам оценить талант и призвание замечательного русского художника.
1862 - 1930
Наверное, многие связывают с именем А. Е. Архипова бьющие
с его полотен различные оттенки красного цвета (характерная картина для
иллюстрации сказанного — Девушка с кувшином, 1927). Действительно, это
был любимый цвет его палитры по крайней мере второго, послереволюционного
периода творчества художника. Так же, как изображение жизни народа, большей
частью крестьян и их быта, было основной темой его картин. Но это вполне
естественно для уроженца Рязанской губернии, начавшего самостоятельно рисовать с
детства, обучавшегося в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у таких
замечательных живописцев России, как В. Г. Перов и В. Д. Поленов.
Начав самостоятельную творческую жизнь, Архипов, работая на пленэре над жанровыми картинами, становится известным многим россиянам благодаря участию в Товариществе передвижных художественных выставок (На Волге, 1889; По реке Оке, Лед прошел, обе — 1895). Картина Обратный (1896) как бы завершает цикл его работ, в которых народная жизнь передается через спокойный пейзаж и умиротворенность природы.
Иными выглядят картины А. Архипова, посвященные социальным темам. Его Поденщицы на чугунолитейном заводе (1896) и особенно Прачки (1901) - острые протестующие картины против нелегкого труда бывших крестьянок. И, наконец, праздничные мазки и тона, красно- цветность картин последнего периода творчества.
1857 - 1947
Жизненный путь одаренного российского художника Степана
(Стефана) Владиславовича Бакаловича типичен для тех художников, чье творчество
принадлежит многим культурам. Поляк по рождению, получивший начальное
художественное образование в Варшавской рисовальной школе у своего отца, Стефан
Бакалович в 1876 году поступает в Петербургскую Академию художеств, которую
заканчивает с большой золотой медалью в 1881 году. Заметим, что картина, за
которую он был отмечен медалью и правом на пенсионерскую поездку, была
патриотична для России: Святой Сергий благословляет Дмитрия Донского на битву
и отпускает с ним двух иноков (естественно, князь Дмитрий еще не носил
прозвище Донского).
А далее С. В. Бакалович уже не живет в России. После многочисленных путешествий он, очарованный Италией, остается в ней до конца жизни, хотя связь с Россией не прерывает. На академических выставках в Петербурге регулярно выставляются его картины, которые пользуются большой популярностью и спросом, кстати, и в Италии. За ряд картин он получает звание академика, являясь по существу одним из последних представителей уходящего, но совсем недавно очень популярного в Европе течения в живописи — позднего классицизма.
С началом Первой мировой войны связь художника с Россией обрывается навсегда. Более того, в конце тридцатых годов XX века, в преддверии бурных лет Второй мировой войны, пожилой художник исчезает даже для искусствоведов.
1841 - 1914 г
Понятно, что в начале XVIII ве
Таков, к примеру, путь Александра Карловича Беггрова, сына художника Карла Петровича Беггрова (читай Карла-Иохима Беггрова). Правда, в живопись Александр Беггров пришел в достаточно зрелом возрасте. В начале же, после окончания Морского кадетского корпуса, он поступает в Морское ведомство. Уже офицером участвует в морских походах, кругосветных путешествиях и все чаще и чаще обращается к карандашу и краскам. В 1870 году Александр Беггров вольнослушателем начинает посещать Академию художеств, продолжает свое обучение во Франции, где определилась сфера интересов художника — море, виды портовых городов, судов.
С 1874 года А. К. Беггров становится участником экспозиций Товарищества передвижных художественных выставок, а с 1876 года принят в Товарищество в качестве полноправного члена. Все чаще в его картинах появляются городские пейзажи, наполненные городским людом (характерная для этой тематики картина — Утром на Невском проспекте, 1880). Он также много работает акварелью, становится одним из организаторов Общества русских акварелистов.
С 1899 года А. К. Беггров — академик живописи Петербургской Академии художеств, с 1912 — ее почетный член.
1876 - 1942 г
Представляется, что у каждого рассматривающего иллюстрации Ивана Яковлевича
Билибина на лице появляется добрая, оптимистическая улыбка, навеянная смутными
воспоминаниями из детства или просто от встречи с красочным, «облагороженным
лубком» (слова самого И. Я. Билибина) художника. Между тем будущий носитель
самобытного стиля в графике, живописи, в оформительском творчестве
двадцатилетний Иван Билибин поступил на юридический факультет Петербургского
университета, который и окончил в 1900 году. Но юристом не стал, потому что
параллельно с учебой в университете, видимо, самозабвенно изучал рисунок,
графику, живопись. И вскоре стал известен широкой общественности как прекрасный
иллюстратор русских народных сказок, былин, произведений А. С. Пушкина. В эти же
годы становится членом объединения «Мир искусства», много путешествует по
России, изучая народное творчество, вырабатывая свой «билибинский» стиль,
начинает серьезную работу оформителя спектаклей.
В 1920 году И. Я. Билибин временно поселился в Египте. Там же вновь возвращается к оформлению спектаклей — работает с балетной труппой Анны Павловой. С 1925 года в Париже оформляет замечательнейшие русские балеты и оперы (среди них — Сказка о царе Салтане Н. А. Римского-Корсакова, Князь Игорь А. П. Бородина, Борис Годунов М. П. Мусоргского). Видимо, эта тяга к национальному, русскому перевешивает интересную работу в Париже — в 1936 году он возвращается в Россию, в Ленинград. Здесь И. Я. Билибин интенсивно работает пять лет и умирает от голода в первую блокадную зиму.
1868 - 1945 г
Николай Богданов-Бельский родился 20 декабря 1868 года в деревне
Шитики Бельского уезда. В середине XIX века это место относилось к Смоленской
губернии, позже вошло в состав современной Тверской
области.
Отца Богданов-Бельский не знал. Его мать, крестьянка, родила
ребенка вне брака. Фамилию Богданов — от словосочетания «данный Богом» —
придумал священник во время крещения. Вторая часть, Бельский, появилась
в 1905 году, когда руководство Императорской
Академии художеств
в Санкт-Петербурге присвоило
художнику звание академика. Живописец вспоминал, что его неаристократическую
фамилию «как бы
облагородил сам государь» Николай
II,
дав приставку, которая отсылала к названию родной губернии.
В детстве Богданов-Бельский жил небогато. Мать занималась сезонной сельскохозяйственной работой на чужих участках. Сын помогал ей, пас скотину. Однако, несмотря на бедность, он получил начальное образование. Местный церковный звонарь обучил его грамоте. Тогда же Богданов начал рисовать, а позже поступил в церковно-приходскую школу в Шопотове. Там он продолжил любительские занятия искусством, а еще начал вырезать ножом по дереву.
Интерес Богданова к творчеству заметил педагог Сергей Рачинский. Во второй половине 1860-х он, дворянин, выпускник Московского университета, биолог, ботаник, ушел со всех университетских должностей. В 1872 году Рачинский приехал в свое родное село Татево и построил там первую в стране сельскую школу, где крестьянские дети могли жить в пансионе. Он сам занимался с воспитанниками, в том числе преподавал им рисование и живопись. Рачинский узнал о юном художнике и принял его в школу. В ней Богданов занимался два года.
Следующим этапом стало обучение азам иконописи и начало профессиональной учебы. На этом настоял Рачинский. В начале 1880-х он помог Богданову попасть в иконописную мастерскую при Троице-Сергиевой лавре и содержал его: каждый месяц отправлял 25 рублей на расходы — примерно столько тогда получали учителя. Художник был благодарен Рачинскому за помощь:
Удивительный человек, учитель жизни. Я всем, всем ему обязан… В его присутствии в деревне ни один из нас не решится на какой-нибудь дурной поступок. Мы, ученики, при нем очищаемся от наших пороков.
В 1884 году Богданов сдал вступительные экзамены в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Там он познакомился с художниками-передвижниками. Его учили основатели и руководители Товарищества передвижных художественных выставок: Владимир Маковский, Илларион Прянишников и Василий Поленов.
Уже в училище молодой художник начал сам зарабатывать. Он писал иконы и продавал свои картины, которые пользовались спросом. В 1889 году Богданов написал к выпускным экзаменам полотно «Будущий инок». Руководство училища оценило работу, присудило автору Большую серебряную медаль и звание классного художника. «Будущий инок» участвовал в XVIII выставке Товарищества передвижных художественных выставок. Там картину ждал успех. Ее заметила императрица Мария Федоровна и хотела приобрести работу, но на нее уже претендовал другой коллекционер. В дело вмешался Сергей Рачинский. Он связался с покупателем, Козьмой Солдатенковым, и убедил отдать полотно императрице. Также произведение заинтересовало собирателя искусства Павла Третьякова. Для него художник написал еще один экземпляр.
1824 - 1896 г
Алексей Боголюбов — замечательная и яркая фигура в русской
культуре, но, к сожалению, художника знают далеко не все ценители живописи,
поэтому пользуясь возможностью, хочу немного поведать о его жизни и показать
замечательные картины, которые он создавал.
Боголюбов родился 28 марта 1824 года в селе Померанья (Новгородская губерния). Его отец был помещиком, отставным полковником. А мать, Фёкла Александровна Радищева, была дочерью писателя Александра Радищева.
Отец Алексея рано умер, мать отдала сына в Александровский кадетский малолетний корпус в Царском селе. После мальчика перевели в Морской кадетский корпус в Санкт-Петербурге. Он окончил его в 1841 году в звании мичмана. Будущий художник служил на флоте, плавал по разным странам и набирался впечатлений. С той поры он полюбил море и стал часто его писать. Страсть к живописи у Боголюбова появилась, еще когда он учился кадетом, а учеба помогла ему разбираться в важных морских нюансах.
Боголюбов познакомился с Брюлловым и тот, оценив его работы, посоветовал ему идти учиться на художника. В 1850 году Алексей поступил в Императорскую Академию художеств. Его главными учителями были Воробьев и Виллевальде. Но огромное влияние на творчества Боголюбова оказал Айвазовский.
В 1853 году Алексей Петрович завершил обучение в академии. Он получил золотую медаль первого достоинства и был назначен живописцем Главного морского штаба.
Являясь пенсионером от Академии художеств, Боголюбов был отправлен за границу, где работал в мастерских Э. Исабе в Париже и А. Ахенбаха в Дюссельдорфе (1854 – 1860). Участвовал в выставках "Товарищества передвижников".
Боголюбов был невероятно талантливым художником, писавшим в основном морские пейзажи мест, где он бывал, а также исторические картины, посвященные знаменитым сражениям русского флота.
Алексей Петрович обладал огромными знаниями в области живописи и был связан с императорским двором во время правления Александра II, являясь наставником будущего Александра III, а позднее — советником по вопросам приобретения произведений искусства для частной коллекции императора.
Кроме того, художник создал уникальный и особенный альбом рисунков, в котором были изображены архитектурные виды всех городов, расположенных вдоль Волги от Твери до Астрахани.
Но главным делом своей жизни Боголюбов считал создание первого публичного государственного художественного музея. Этот музей, названный Радищевским в честь деда художника, был открыт в июне 1885 года в Саратове.
В основу музея легла личная художественная коллекция Боголюбова и его картины. Для размещения экспозиции было построено специальное здание, в котором и по сей день располагается Саратовский художественный музей. Наряду с музеем в Саратове была открыта художественная школа имени Боголюбова. Но открытие этой школы художник не дождался, так как умер несколькими месяцами ранее.
Художник был женат. В 1859 году состоялась его свадьба с Надеждой Павловной Нечаевой.
Последние годы жизни художник прожил в Париже. Он тосковал о России и завещал свое тело похоронить в Петербурге.
Боголюбова не стало в ноябре 1896 года. Он прожил 72 года. За это время художник нарисовал около 3000 творений живописи, акварели и рисунков.
Алексей Петрович был выдающейся и динамичной личностью. На память о нем, помимо картин, музея и школы, осталась его автобиография «Записки моряка-художника».
1870 - 1905 г
Виктор Мусатов родился в 1870 году
в Саратове.
В три года мальчик ушиб спину, и у него начал расти горб. «Он мог бы
стать стройным и сильным, как и другие. Он знал это и, однако, никогда
не жаловался, не злился на жизнь, обошедшуюся с ним чересчур жестоко», —
писал о ребенке саратовский литератор Александр Федоров. Преодолевать
жизненные трудности Мусатову всегда помогала живопись. Позднее он писал: «Когда
меня пугает жизнь — я отдыхаю в искусстве».
В 1884 году Виктора Мусатова отдали в Саратовское реальное училище. Точные науки мальчику плохо давались, но по рисованию всегда были отличные оценки. Художники-педагоги Василий Коновалов и Федор Васильев отмечали талант юного ученика и советовали ему отправиться в Москву. В 1890 году Виктор Мусатов поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Юноше не нравилось в Москве: все, чему учили местные преподаватели, он мог узнать и в Саратове. Поэтому через год он перевелся в Петербургскую академию художеств.
При поступлении начинающий живописец представился Борисовым-Мусатовым: вторая фамилия была производной от имени деда — Бориса Мусатова. С тех пор он так и подписывал свои картины. Кроме занятий в Академии он посещал частную мастерскую художника Павла Чистякова, где совершенствовал технику рисунка.
В 1893 году из-за переменчивого климата у Борисова-Мусатова усугубилась болезнь позвоночника — ему пришлось вернуться обратно в Москву. Через год на XVII Московской ученической выставке он представил несколько своих полотен. Одно из них, «Майские цветы», купила великая княгиня Елизавета Федоровна. На полученные средства живописец отправился на Кавказ и в Крым, где написал цикл натурных этюдов.
После южного путешествия в 1895 году Борисов-Мусатов уехал в Париж, где поступил в мастерскую Фернана Кормона. Здесь молодой художник провел три зимы, он учился классическим приемам рисования и правильной технике. В музеях и галереях Парижа он изучал произведения искусства маститых художников.
1757 - 1825 г
Владимир Боровиковский родился 4 августа
1757 года в украинском городе Миргороде. Его отец Лука Боровиковский
происходил из казаков. Оставив военную службу, он занялся иконописью,
создавал фрески в храмах и монастырях.
Владимир Боровиковский учился рисованию под руководством отца, а потом помогал ему выполнять заказы. На своих первых портретах будущий художник изображал миргородских дворян. Искусствовед Александр Майкапар писал: «Творчество Боровиковского в то время не выходило за рамки полуремесленного искусства».
В 1770-х Боровиковский познакомился с поэтом Василием Капнистом, который тогда был предводителем дворянства Миргородского уезда. В 1787 году Капнист пригласил художника расписать дом в Кременчуге, где должна была остановиться императрица Екатерина II. Она проезжала через этот город по дороге в Крым.
Роспись стен и живописные панно, которые создал Боровиковский, понравились Екатерине II, и она пригласила художника переехать в Петербург. В 1788 году Боровиковский прибыл в столицу. Первое время он жил у архитектора и поэта Николая Львова. Тот познакомил художника со своими друзьями — писателями Гавриилом Державиным и Иваном Хемницером. Кроме того, Львов помог Боровиковскому найти учителей живописи — портретистов Дмитрия Левицкого и Иоганна Лампи.
В 1790-х Владимир Боровиковский стал получать первые заказы. Одной из его ранних работ стал портрет горничных Лизоньки и Дашеньки, которые служили в семье Львовых. Искусствовед Александр Майкапар писал об этой работе: «Брюнетка кажется серьезной и мечтательной, а блондинка — живой и смешливой. Но все это выражено в полутонах, в тонких оттенках».
В эти годы Боровиковский продолжал писать иконы. В начале 1790-х он создал 37 образов для главного собора Борисоглебского монастыря в Торжке.
1827 - 1902 г
Живописец; профессор исторической живописи, жанрист, портретист. Первоначальные художественные навыки получил у отца — иконописца. В 1843 приехал в Петербург, работал в технике офорта у Е. Е. Бернадского. Учился в ИАХ (1845 – 1853). За программную работу «Божия Матерь всех скорбящих Радость» (1853) получил большую золотую медаль, звание классного художника 1-й степени и право на заграничную пенсионерскую поездку. С 1854 жил и работал в Италии, ненадолго выезжал в Россию (1863 – 1865), Париж и Копенгаген, регулярно присылал свои работы в Россию. Член и экспонент ТПХВ (с 1876). Завещал свои произведения родному городу.
1799 - 1875 г
Фёдор Бруни (собственно, настоящее его имя было Фиделио) родился
10 июня 1799 году в Милане, в семье швейцарского итальянца, художника и
реставратора Антонио Бруни, который впоследствии, в 1807 году, приехал в Россию
из Италии. Антонио Бруни в царствование Павла I был реставратором картин и
живописцем по плафону. Имеются его работы, исполненные в Михайловском дворце;
впоследствии он занимался работами в Москве, по заказу князя Куракина.
Фёдор в возрасте десяти лет поступил в Воспитательное училище при Академии художеств, занимался под руководством А. Е. Егорова, А. И. Иванова (старшего) и В. К. Шебуева.
За первые успехи молодой Бруни был награждён серебряною медалью, а в 1818 г. окончил курс и получил звание художника с правом на чин XIV класса. Его отец, находя, что художественное образование девятнадцатилетнего Фиделио ещё недостаточно, решился, по совету Шебуева, отправить сына для дальнейшего усовершенствования в живописи в Италию. Изучение образцовых произведений старинных художников окончательно определило направление молодого Фиделио, переименованного в России в Фёдора, подобно тому, как Брюлло был назван Брюлловым.
Написав несколько картин, Бруни, не достигший ещё 22-летнего возраста, принялся за первую большую картину («Смерть Камиллы, сестры Горация»), которая в 1824 г. была выставлена в Капитолии и доставила автору её немалую известность; в Петербурге она появилась лишь через 10 лет, и за неё Бруни получил звание академика.
1799 - 1852 г
Карл Брюллов родился в Петербурге 23 декабря
1799 года в семье скульптора французского происхождения Павла Брюлло. Отец
с ранних лет обучал сына живописи, причем часто был излишне строг с ним.
Карла Брюллова могли не пустить к обеденному столу, пока он не напишет
нужное количество животных и человеческих фигур. За оплошности наказывали
строго. Позже Брюллов вспоминал, что способность «опрятно рисовать» у него
родилась благодаря детским упражнениям.
В 10 лет его без экзаменов зачислили в петербургскую Академию художеств. Отцовская подготовка помогла Брюллову — он учился лучше своих сверстников. Молодой художник часто поправлял работы товарищей, однако преподаватели всегда замечали это и говорили: «Что, брат, кажется, в эту треть Брюллов хочет дать тебе медаль?»
Преподаватели рано позволили Брюллову писать собственные полотна, в то время как его сверстники еще копировали учительские картины. Его первая самостоятельная работа — акварельный рисунок «Гений искусства». Он стал образцом для учебного копирования в натурном классе. Брюллов изобразил юношу с лирой, жезлом и головой жреца Лаокоона у ног. Тени на картине были обработаны углем, а блики высветлены пастелью. Вскоре, в 1819 году, Брюллов написал и свою первую живописную картину — «Нарцисс, смотрящийся в воду». Эта работа принесла ему Малую золотую медаль.
В качестве выпускной работы Брюллов в 1821 году создал «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского». За нее он получил Большую золотую медаль, а меценаты Общества поощрения художников назначили ему пенсионерскую поездку в Италию.
В 1822 году Карл Брюллов вместе с братом Александром отправился в Рим. Дорога в итальянскую столицу заняла почти год. По пути они останавливались в разных городах и изучали европейскую живопись и культуру.
В Рим Брюллов прибыл в мае 1823 года. Там он сразу взялся за парадные и камерные портреты. Брюллов писал акварелью, маслом, работал в технике простого рисунка и сепии. Кроме портретов Брюллов пробовал писать жанровые картины.
В 1823 году он написал «Итальянское утро» и отправил его в Россию. Полотно понравилось меценатам Общества поощрения художников, и те подарили картину Александре Федоровне, супруге императора Николая I. Император пожаловал Брюллову бриллиантовый перстень и поручил написать парную картину. Так возникла вторая композиция — «Итальянский полдень».
В Италии Брюллов познакомился с русской аристократкой Юлией Самойловой. Она была наследницей рода Скавронских, Пален, Литто и Висконти — богатейших домов Российской империи и Италии, покровительствовала русским и итальянским деятелям искусств. Оказывала поддержку и Брюллову, долгое время их связывали личные отношения. Самойлова познакомила художника с многими представителями высшего общества в Риме, от них Брюллов получал заказы на дорогостоящие парадные портреты. По заказу Юлии Самойловой он написал картину «Всадница», которую тепло встретили итальянские критики. Позировали Брюллову падчерицы Самойловой — Джованина и Амацилия Пачини.
В 1827 году Брюллов начал работу над одним из своих масштабных произведений — «Последний день Помпеи». Он посетил развалины города Помпеи, погибшего при извержении Везувия в 79 году до н.э, осмотрел раскопки, сделал наброски. Брюллов работал над своей монументальной картиной почти шесть лет. В 1833 году «Последний день Помпеи» был выставлен в Риме, в мастерской художника. Посмотреть картину приезжали многие известные в те годы люди, среди которых был писатель Вальтер Скотт. Флорентийская Академия художеств присвоила художнику за это полотно звание профессора первой степени. Картину выставляли на Парижском салоне в Лувре, после чего отправили в Петербург. Император Николай I, увидев ее, предложил Брюллову вернуться в Россию и пригласил художника на личную встречу для вручения лаврового венка.
На родине картина выставлялась в Императорском Эрмитаже, затем в Академии художеств. Ее смогли увидеть не только представители русской знати, но и купцы, крупные ремесленники, мастеровые.
В 1843 году Брюллов начал расписывать плафон купола только что построенного Исаакиевского собора. Площадь сферического плафона составляла более 800 квадратных метров. Стоя на лесах, художник шутил: «Мне тесно! Я бы теперь расписал небо!» Штукатурка была еще сырой, плохо ложился грунт, отслаивалась краска. Некоторые изображения приходилось перерисовывать. В помещении было влажно, прохладно и гуляли сквозняки. К тому же в самом храме тесали мрамор и гранит и в воздухе стояла мелкая пыль. Брюллов серьезно заболел и был вынужден просить об освобождении от работ. По эскизам Брюллова роспись купола заканчивал художник Петр Басин.
В апреле 1849 года Карл Брюллов отправился на лечение за границу — на остров Мадейра, а затем в Италию, где и провел последние годы. Он познакомился с итальянским революционером Анджело Титтони и до конца жизни был под покровительством его семьи. Под влиянием Титтони Брюллов начал писать картины с современными сюжетами. Так появились первые реалистические работы — полотно «Процессия слепых в Барселоне», серия сепий «Лаццарони на берегу моря».
Карл Брюллов умер в Манциане, недалеко от Рима. Похоронен на римском протестантском кладбище Монте-Тестаччо.
1850 - 1873 г
Фёдор Александрович
Васильев (10 [22] февраля 1850 — 24 сентября [6 октября] 1873) — русский
живописец-пейзажист.
Родился в Гатчине (ныне Ленинградская область) в семье мелкого почтового чиновника из Петербурга. В двенадцатилетнем возрасте был отдан на службу в главный почтамт, где получал 3 рубля жалованья в месяц.
С раннего детства проявлял способности и интерес к рисованию. Бросил службу и поступил на учёбу в Рисовальную школу Общества поощрения художеств в Петербурге (1865 – 1868), в это время он совмещал занятия в школе по вечерам с работой у реставратора из Академии художеств П. К. Соколова.
К окончанию учёбы Васильев вошёл в среду известных художников, особенно сблизился с Крамским, а также Шишкиным, жена которого была его родной сестрой.
Видимо, безмерный талант, любовь к русской природе и трудолюбие сделали до боли мало прожившего Федора Васильева одним из известнейших отечественных пейзажистов XIX века. Его работы, выражавшие трепет юной души от соприкосновения с живущей природой, порождают и у современных зрителей, зачастую потерявших какой- либо контакт с ней (с природой), щемящее чувство близкого, родного, поуже навсегда утерянного.
Материальное положение семьи Ф. А. Васильева было таково, что будущий живописец вынужден был самостоятельно зарабатывать с двенадцати лет. Поэтому свое художественное образование он начал в 1865 году, поступив в Вечернюю рисовальную школу при Обществе поощрения художников, которую окончил через два года. К этому времени его стремительно развивающийся талант становится очевидным для многих художников. Этому природному дарованию не требовалась, очевидно, шлифовка в Академии художеств. Изучение природы, творений русских и французских пейзажистов (барбизонской школы), советы и опека старших (И. Н. Крамского), совместная работа на природе с великим И. И. Шишкиным делают Федора Васильева известным художником уже в 1868 году: Деревенская улица, Возвращение стада, После грозы.
Четырехмесячная поездка вместе с молодыми И. Е. Репиным и Е. К. Макаровым по великой реке рождает волжскую тему в его творчестве: Вид на Волге. Барки (1870), Волжские лагуны (1870) и др. В 1871 году Ф. А. Васильев пишет картину, привлекшую широкое внимание общественности, — Оттепель, копию которой, несмотря на ее пессимистическую тональность, художнику заказали для императорской семьи.
Другое замечательное полотно художника Мокрый луг написано в 1872 году в Крыму, куда художник вынужден был переехать из-за неизлечимой формы чахотки (по-нынешнему — туберкулеза). При этом столь родной для художника пейзаж среднерусской полосы выполнен по зарисовкам. Крымские пейзажи были впереди. Что-то художник успел написать (В Крымских горах, 1873). Однако отпущено было слишком мало: в 1873 году двадцатитрехлетний Федор Васильев, оставив после себя замечательные образцы русской пейзажной живописи, отбыл в мир иной. Национальное своеобразие его картин волновало все последующие поколения россиян. Нынешние поколения — не исключение.
1856 - 1933 г
Сравнение творчества двух близких родственников,
вступивших на стезю искусства, вполне естественно. Аполлинарий Васнецов не
затерялся в тени своего более известного брата Виктора — оба они внесли
значительный вклад в русское живописное искусство.
Будущий художник родился в Вятской губернии в семье сельского священника, учился в духовном училище и, видимо, брал первые уроки рисования у своего старшего брата, который, занимаясь в художественных заведениях Петербурга, приезжал летом на родину. Не поступив в Академию художеств, Аполлинарий Васнецов занимается живописью под руководством брата и его друзей-художников (заметное влияние на творчество художника оказал В. Д. Поленов), много времени уделяет изучению истории и археологии.
Тема родины пронизывает два основных направления его творчества — пейзажную и историческую живопись. Поэтому названия картин не могли не нести эту любовь Аполлинария Васнецова: пейзажи — Родина (1886), Сибирь (1894), Кама (1895); исторические картины — Улица в Китай-городе. Начало XVII века (1900), Площадь Ивана Великого в Москве. XVII век (1903). И если пейзажи А. М. Васнецова отличаются мощью и размахом передаваемой природы, то исторические работы основываются на глубоких знаниях художника. Понятно, что художника такого мастерства и знаний охотно приглашали оформлять спектакли русской тематики — он участвовал в постановках Хованщины М. П. Мусоргского, Сказания о невидимом граде Китеже и деве Февронии Н. А. Римского-Корсакова.
А. М. Васнецов оставался патриотом и в своей общественной деятельности, которой активно занимался большую часть своей жизни, являясь членом-учредителем Союза русских художников, членом Археологического общества, участником различных комиссий по сохранению памятников русской культуры.
1848 - 1926 г
Виктор Михайлович Васнецов, наверное,
первым из великих русских художников входит в нашу младенческую жизнь своими
картинами-былинами, картинами-сказками и сопровождает нас в течение нее (жизни),
давая нам поводы для размышлений не только работами названного направления, но и
открываемыми нами его жанровыми полотнами первого периода творчества, его
портретами и, наконец, сравнительно недавно пришедшей к нам его религиозной
живописью.
Рождение в семье сельского священника как бы предопределило дальнейший жизненный путь юного Виктора Васнецова — обучение в духовной семинарии и, видимо, повторение пути отца. Однако молодой Васнецов, не окончив духовного заведения, отправляется в Петербург, где вначале в Рисовальной школе Общества поощрения художников (1867 - 1868), затем в Академии художеств (1868 - 1874) ставит свой случившийся талант живописца. И уже с Автопортрета 1873 года на нас смотрит одухотворенное, устремленное в неизвестность лицо молодого художника.
«На дворе» все больше вступала в свои права весна художников-передвижников, которая естественно вовлекла Виктора Васнецова, откликнувшегося на нее своими жанровыми картинами: Нищие певцы (Богомольцы) (1873), Книжная лавочка (1876), С квартиры на квартиру (1876) и др.
Однако к 1880 году быт исчезает из творчества живописца. В. М. Васнецов обращается к эпосу, былинам, сказкам, истории страны. Появляется сказочно-реалистичный, с детства знакомый всем любителям живописи мир Виктора Васнецова, в котором хватило места героическим и тревожным, радостным и печальным страницам русской истории, русской жизни.
Наконец, было у В. М. Васнецова свое подвижническое десятилетие (1885 - 1896), когда он первым из художников принял приглашение участвовать в росписи собора Святого Равноапостольного Князя Владимира в Киеве — собора, который тридцать семь лет строился в Киеве на народные пожертвования. Расписавшего около трех тысяч квадратных метров собора (алтарь, центральная часть, иконы главного иконостаса), Виктора Михайловича Васнецова по праву можно отнести и к религиозным живописцам, пытавшимся постигнуть святое и вечное в человеческой жизни.
1780 - 1847 г
В
сущности до Алексея Гавриловича Венецианова живопись в
России не только по форме, но и по содержанию была интернациональной. Точнее она
была составной частью европейского живописного искусства. Исторически по-иному и
быть не могло. Точно так лее, как вполне естественным было появление ростков
национального в русской живописи по мере ее становления.
Несомненная заслуга в подготовке «стартовой площадки» для стремительной «русификации» содержания русского живописного искусства и принадлежит Алексею Венецианову, путь которого в живопись как бы способствовал выполнению этой важной миссии.
Служащий почтового ведомства, А. Г. Венецианов, с детства тянувшийся к рисованию, самостоятельно копировал великих мастеров в Эрмитаже, рисовал портреты близких, был учеником В. Л. Боровиковского, живя какое-то время в доме признанного маэстро.
Решив посвятить свою жизнь живописи, А. Г. Венецианов покидает службу; покупает небольшое имение Сафонково в Тверской губернии и вскоре становится художником, картины которого наполнены поэтическими изображениями крестьян и крестьянок, их детей, жанровыми сценами русской жизни и неброскими русскими пейзажами. Картины художника, не получившего классического академического образования (видимо, так надо было Провидению), имеют большой успех на академических выставках, хотя сами академики не торопятся принять А. Г. Венецианова в ряды преподавателей Академии. Но художник по-прежнему верен своему самобытному пути: он создает собственную школу, получившую в будущем вполне заслуженное художником название «венециановской», в которой учились одаренные дети из простых сословий и из которой вышли многие известные живописцы.
Характеристика творчества А. Г. Венецианова часто сопровождается двумя эпитетами: например, сентиментальный или идиллический мир художника. Это и прекрасно, ибо новое часто отличается особой искренностью. Время художников-передвижников с их составляющей критического отношения к действительности придет в Россию несколько позже.
1842 - 1904 г
«Всем великим
завоевателям, прошедшим, насто
Василий Васильевич Верещагин, автор картины и посвящения к ней, прожив полную драматических событий жизнь художника и человека, завершил ее вовсе трагически — в пучине Тихого океана вместе с командой броненосца «Петропавловск» во время Русско-японской войны.
По семейной традиции юный Верещагин, несмотря на рано проявившийся талант к живописи, получил военное образование. Правда, это не помешало Василию Верещагину окончить Рисовальную школу Общества поощрения художников, а затем и Академию художеств. Далее жизнь, до краев наполненная запланированными и вынужденными путешествиями; участием в сражениях войн, которые вела Россия; сотнями этюдов и десятками картин; преклонением перед талантом и позицией художника, обвинениями в отсутствии патриотизма и негодованием высших военных кругов... Всего хватало в жизни В.В. Верещагина с избытком.
В 1867 - 1869 годах В.
В. Верещагин — доброволец в военных туркестанских походах, за личную храбрость награжден Георгиевским крестом. Итогом участияв боевых действиях стала его по сути антивоенная Туркестанская серия, в картинах которой нет и намека на парадность военной службы. Напротив — кровь, отрубленные головы, убитые и раненые русские солдаты.
В 1874 году из-за нападок за реальность изображаемого художник уезжает в Индию, где живет около двух лет. Итог поездки — замечательные пейзажи, в их числе знаменитый Мавзолей Тадж-Махал в Агре.
В 1877 - 1878 годах — участник действующей армии в Русско-турецкой войне, тяжело ранен. Картины Балканской серии, показывающие не только героизм русского солдата, но и часто бездушное отношение к нему со стороны военного начальства, снова вызывают восторг демократических слоев населения и недовольство высших военных кругов. История повторяется: В. В. Верещагин снова вынужден уехать вначале в Индию, затем на Ближний Восток. И так до конца жизни: работа — путешествия — работа. Он выставляет свои картины в США, много путешествует по России, побывал на Филиппинах, Кубе, еще раз в США, в Японии. В 1901 году выдвигался кандидатом на первую Нобелевскую премию мира.
Очередная военная командировка Василия Васильевича Верещагина оказалась последней. Его же предупреждение великим завоевателям по-прежнему остается в силе.
1836 - 1886 г
Петр Верещагин
получил, подобно своему брату Василию, первоначальное художественное образование
в семье и также продолжил его в Академии художеств в Петербурге (1858 - 1865).
Однако по своим художественным интересам братья заметно различались. Петр
Петрович Верещагин известен прежде всего своими пейзажами. После окончания
Академии работал
преподавателем и создавал много пейзажей. Его виды городов или их характерных
мест (Вид Ревеля от Кадриорга, 1864; Вид Динабурга, 1867; Рынок
в Нижнем Новгороде, 1867; Вид Кремы, 1868) принесли ему и официальное
признание, выразившееся в присвоении званий художника второй, а затем и первой
степени, академика пейзажной живописи (1873), и известность среди любителей
искусства.
После ухода с педагогической работы художник много путешествует и много пишет: виды Кавказа (Сухум-Кале), Крыма (Вид Севастополя со стороны Малахова кургана), Урала (Река Чусовая. Камень «Красный»), Северо-Запада России (Псков, Вид на набережную Невы у Академии художеств в Петербурге летним вечером).
Во время Русско-турецкой войны 1877 - 1878 годов находится в действующей армии и пишет ряд картин, не изменяя, однако, своим наклонностям, — в основном пейзажи, связанные с изображением Дуная.
В пейзажной живописи художники академического направления стремились прежде всего к созданию идеального и, следовательно, красивого изображения природы и города, хотя точность передачи изображаемого имела для них не последнее значение. Именно таким художником и был П. П. Верещагин.
1818 - 1903 г
Видимо, смело можно утверждать, что Богдан (Гот-фрид)
Павлович Виллевальде прожил счастливую жизнь художника-баталиста.
Начало его творчества совпадает с особой популярностью батальной живописи, вызванной Отечественной войной 1812 года и триумфальным походом российских войск в Европу и в Париж. Поэтому уже первые полотна выпускника и пенсионера Академии художеств (Сражение при Фершампенуазе, 1842) приносят Б. П. Виллевальде ожидаемый успех. После возвращения в Петербург он получает звание академика и приглашается на преподавательскую работу вначале в Рисовальную школу Общества поощрения художников, а затем и в саму Академию, где с 1848 года является профессором и руководителем класса батальной живописи Академии.
Его картины, внешне эффектные своими размерами и исполнением, прославляют победы русского оружия или посвящены выдающимся событиям в современной художнику жизни — например, торжественному открытию памятника «Тысячелетие России» в Великом Новгороде или коронации императора Александра II в Москве. Конечно, батальное творчество Б. П. Виллевальде резко отличается от картин Туркестанской и Балканской серий В. В. Верещагина. Но утверждать напрашивающееся, что после В. В. Верещагина изображать войну иначе, чем он, нельзя, неверно. И прежде всего потому, что люди различаются по своему происхождению, воспитанию, образованию, наконец, своим генам.
И ради справедливости следует отметить, что сам Виллевальде стремился сделать свои картины более реалистичными. Он часто выезжал на место боев бесконечной для России в XIX веке Кавказской войны, чтобы получить непосредственное впечатление от нее. Он с охотой отходит от помпезности в своих работах в пользу изображения жанровых сцен военных походов, подчеркивания «разноплеменности» российской армии и нормальных бытовых отношений простых солдат и офицеров с местным населением. И не забудем, что Б. П. Виллевальде как человек и художник формировался в период полного господства классической живописи.
1869 - 1938 г
У
сына сельского священника Костромской губернии Сергея
Виноградова рано проявился интерес к живописи. Уже в 1880 году он поступает в
Московское училище живописи, ваяния и зодчества, в котором под руководством
замечательных учителей (Е. С. Сорокин, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников, В. Д.
Поленов) обучается живописному мастерству.
Начиная писать жанровые сцены (Обед работников, 1890; Бабы, 1893), Сергей Виноградов очень скоро переходит к чисто пейзажной живописи и изображению интерьеров (Вечер, 1900; Весна, 1902; В усадьбе осенью, 1907; В доме, 1910; В доме, 1914). В этих картинах важнейшую роль играют световые эффекты, напоминающие о творчестве французских импрессионистов. Хотя здесь уместнее говорить не о влиянии последних на творчество С. А. Виноградова, а о соприкосновении с их творчеством, ибо у художника свой стиль, выработанный и его частыми поездками по России (Волга, Украина, Крым, Север), и работой на пленэре, и близостью для него сельской жизни.
С. А. Виноградов ведет большую общественную работу. Он член Товарищества передвижных художественных выставок, один из учредителей Союза русских художников. В 1912 году ему присваивают звание академика. В 1923 - 1925 годах С.В. Виноградов возглавляет Комитет передвижной выставки, знакомящей жителей США с русским искусством. Возвращается художник на постоянное место жительства в Ригу — столицу Латвии, получившей незадолго до этого государственную независимость. В ней он организует свою художественную школу, в которой обучаются, в сущности, русскому искусству.
1844 - 1920
Расцвет русской пейзажной живописи в XIX веке, в частности, его второй половине, имеет множество причин. Среди них и повышенный, хотя и опосредованный, интерес художника к месту жизни (среде обитания — по-современному) российского человека, прежде всего крестьянина. Среди представителей этого направления в русском пейзаже заметное место занимает Ефим Ефимович Волков. Его картина Ранний снег (1883) особенно характерна в этом отношении. Хилый, видимо, подправляемый ежегодно после весеннего половодья мостик через неширокую, не тронутую льдом речку припорошен, как и оба берега, первым снегом. Вдали лес. И колея то ли от телеги, то ли от подготовленных еще летом саней (все это можно легко представить). Вроде бы и особо повода не было у художника для изображения именно этого состояния родной природы. Но щемящее чувство от соприкосновения с этим вовсе не красочным пейзажем еще долго не покидает нас.
Таков Е. Е. Волков и в большинстве других своих живописных полотен северной и средней полосы России, принесших ему заслуженное признание современников.
Учился живописец в Рисовальной школе Общества поощрения
художников (1866) и в Академии художеств (1867 - 1870). Состоял в Товариществе передвижных художественных выставок (1880 - 1918). В 1895 году Е. Е. Волков стал действительным членом Академии художеств.
1856 - 1910 г
Русское искусство XIX века, если искать
современные сравнения, видимо, можно уподобить Гималаям — высочайшей горной
стране среди прочих горных систем мира. Русская живопись с ее общим высоким
уровнем и блистательными пиками подтверждает правомерность такого сравнения.
Одной из последних вершин этого уходящего века был, несомненно, Михаил
Александрович Врубель, художник, возможно, первый в России неясно осознавший,
какие противоречия и мировые катаклизмы готовит век наступающий. Отсюда та
необычайность его творчества, что несет в себе синтез реального,
фантастического, ирреального; преображенную до мистики действительность;
отличающуюся серьезной смысловой нагрузкой декоративность.
Имея несомненный талант к живописи и получив первые уроки рисования в детстве, М. А. Врубель поступает все же на юридический факультет Петербургского университета. Лишь после его окончания он становится студентом Академии художеств (1880), где судьба определяет его к П. П. Чистякову, известнейшему педагогу Академии, чьи творческие взгляды оказались созвучны художественном видению М. А. Врубеля.
Первыми серьезными работами художника становятся монументальные росписи (1884 - 1885) в Кирилловской церкви в Киеве (Сошествие Св. Духа на апостолов, Оплакивание). Здесь же рождается и воплощенная в последующие времена демоническая тема Врубеля. Очное знакомство со средневековой венецианской живописью дает художнику толчок к уточнению его взглядов на цветовое решение картин.
Девяностые годы оказываются для М. А. Врубеля исключительно напряженными, а потому и плодотворными. Именно в это время он создает большинство своих произведений, которые трудно перевести на язык слов, которые заставляют созерцающего его картины домысливать сотворенное художником. Его фигуры и предметы на картинах, часто монолитно-объемные от граней пересекающихся плоскостей (например, Демон сидящий), также часто наполнены внутренним свечением пятен (Портрет артистки Надежды Ивановны. Забелы-Врубелъ, 1898), выразительности и самостоятельности которых художник придавал особое значение.
Творческая жизнь Михаила Александровича Врубеля была непродолжительной. Уже в 1902 году неизлечимая, как оказалось, болезнь предоставляет художнику лишь непродолжительные временные интервалы для занятий живописью и графикой. Последние четыре года жизни М. А. Врубель проводит в полной темноте — он ослеп. Так трагически заканчивается жизнь одного из крупнейших художников России конца XIX — начала XX века. Земная слава и память россиян были впереди.
1816 - 1895 г
Быть придворным живописцем российского императорского двора XIX века, видимо, означало успешную карьеру художника. По крайней мере, для многих из них. И это в какой-то степени достаточно объективная оценка таланта художника, подразумевавшая умение красочно и похоже передавать августейших особ и их приближенных.
Именно эти качества присутствовали у Владимира Ивановича Гау, который после окончания Академии художеств (1832 - 1836) и совершенствования своего мастерства в Германии и Италии (1838 - 1840) по возвращении на родину становится придворным портретистом (1840). Понятно, что звание академика придет к В. И. Гау со временем (1849) — после серии портретов Николая I и Александры Федоровны, великих князей и княгинь, их детей, офицеров Кавалергардского полка, известных в России людей (среди них — портрет Натальи Николаевны Пушкиной, 1842 - 1843). Так, соприкасаясь с лицами и позами своих «высоких» современников, придворный художник по определению становится художником историческим. И в этом его творчество представляет особый интерес для следующих поколений.
Необходимо добавить, что особым успехом пользовались акварельные портреты и миниатюры В. И. Гау. В этом виде художественного творчества он был одним из ведущих российских мастеров.
1831 - 1894 г
Николай Николаевич Ге
относится к тем столпам отечественной культуры, которые долгое время служат
ориентирами для сверки мыслей с их видением мира. Это был в высшей мере
нестандартный человек и, следовательно, самобытный художник.
В Академию художеств Николай Ге поступил (1850) после окончания двух курсов физико-математических факультетов (соответственно Киевского и Петербургского университетов). Окончив Академию (1857) с большой золотой медалью и званием классного художника первой степени, Н. Н. Ге уезжает в пенсионерскую поездку в Европу, где останавливается для своего временного пребывания в Италии. Здесь он много работает, пишет картины на сюжеты из истории Древнего Рима, портреты, пейзажи. В его картинах этого цикла заметно влияние К. П. Брюллова, в обращении к полотнам на евангельские темы сказалось общение с А. А. Ивановым, с которым Н. Н. Ге познакомился в Италии. Завершение картины Тайная вечеря (1863) означало, что в России появился художник, может быть, ближе всех подошедший к воплощению трагедии последних дней земной жизни Иисуса Христа.
Картина вызывает огромный интерес русского общества, ее приобретает Александр II (воспитание позволяло императору оценить достоинства произведений искусства). Руководство Академии вынуждено было, несмотря на отход художника от традиций академизма, присвоить Н. Н. Ге звание профессора исторической и портретной живописи.
Не меньший успех выпадает на следующую этапную картину живописца — Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе (1871). Замечательны портреты известных в России деятелей культуры (М. Е. Салтыкова-Щедрина, Н. А. Некрасова, Л. Н. Толстого, с которым художника сближала общность мироощущения).
Правда, Н. Н. Ге не всегда доволен своими работами, да и жизнь в Петербурге не удовлетворяет его. Поэтому следует переезд в купленный хутор в Черниговской губернии (1876). Далее — периоды сознательного устранения от живописи и времена исступленного труда с завершающим итогом: «Что есть истина?». Христос и Пилат (1890) и Голгофа (1893).
Задумаемся, что есть истина для нас, ибо у каждого впереди своя Голгофа.
1863 - 1930 г
Замечательный русский художник
Александр Яков
Портретная серия А. Я. Головина — портреты Ф. И. Шаляпина в ролях Олоферна (1908) и Бориса Годунова, Автопортрет (оба — 1912), Портрет В. Э. Мейерхольда (1917) и др. — приносит ему известность и признание коллег по искусству и многочисленных любителей живописи. Пейзажи и натюрморты художника (Купавки; Ветлы, 1909; Розы и фарфор, 1910; Нескучный сад, 1910-е; Осень, 1920) отличаются редкой лиричностью и красотой.
Многогранное мастерство художника опирается на прекрасную школу живописи, которую он прошел в молодости. Рано проявившиеся наклонности и талант А. Я. Головина были развиты в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1881 - 1889) и закреплены во время его пребывания в Париже (1889 - 1897).
1876 - 1945 г
Уроженец Самарской губернии
После возвращения из Италии Константин Горбатов полностью переключается на российскую тематику. Он пишет много картин, посвященных жизни русских провинциальных городов, и пейзажи северо-западных уголков России (Рыбный базар в Пскове, Старый двор, Псков, Богатые гости. Первый снег в лавре, Родной уголок, В Вологде, На реке Мете).
Художник неоднозначно воспринял революционные преобразования в стране. В первые годы советской власти он продолжает много работать, пишет даже картины для новых музеев нового государства. Однако в 1924 году уезжает вначале в знакомую ему Италию, а в 1928 году переселяется в Берлин. Он постоянно участвует в выставках русского искусства за рубежом. Его пейзажи с русскими церквями имеют успех у граждан Германии. Возможно, многие из одетых в солдатские шинели почитатели таланта русского художника через полтора-два десятилетия увидят их разрушенные оригиналы в оказавшейся негостеприимной для завоевателей России.
1873 - 1954 г
Родился будущий известный отечественный
худож
В 1902 году Горюшкин-Сорокопудов заканчивает Академию художеств и, как записано в дипломе, «за отличные познания в живописи и научных предметах, доказанные им во время пребывания в отделении живописи и скульптуры Училища, удостоен звания художника». Начинается самостоятельная работа. Круг интересов молодого мастера достаточно широк — историческая живопись, портрет, пейзаж. На выставках появляются его полотна дальней старины: Княжеу обедни, Женщина времен Тишайшего царя, Уголок прошлого, Канун Пасхи в старину, Раздача милостыни в Святую ночь в старой Руси. В 1903 году он закончил ставшую известной картину Плач Ярославны. На события 1905 года Горюшкин-Сорокопудов откликнулся циклом своих работ.
В 1903 художник переезжает в Пензу, где становится преподавателем городского художественного училища. С городом связаны его последующие жизнь и творчество.
В первые годы советской власти Горюшкин-Сорокопудов ищет свое место в новой жизни. В работах он пытается запечатлеть проходящие перед ним события, обращается к теме В. И. Ленина. Несмотря на свой значительный возраст, художник возглавлял с 1942 по 1947 год Пензенское художественное училище. В истории отечественной живописи Горюшкин-Сорокопудов и останется художником-тружеником, художником-патриотом.
1837 - 1898 г
Десять лет
своей наиболее творческой жизни
(1875 - 1885) Николай
Дмитриевич Дмитриев-Оренбургский провел в Париже, где большинство из написанного
им было распродано и постепенно затерялось для последующих поколений в часто
бывающей капризной памяти истории, истории живописи как частном случае. Но и то
созданное Н. Д. Дмитриевым-Оренбургским, что дошло до нас, говорит о нем как о
достойном русском художнике.
Готовившегося к военной службе юношу и его родителей знающие люди уговорили поступить в Академию художеств, где он учился в классе Ф. А. Бруни. За свои рисунки с натуры и живописные этюды Николай Дмитриев получал медали различных достоинств (была среди них и малая золотая), однако на академических конкурсах последних лет обучения Н. Дмитриев терпит неудачи. Его картины Великая княгиня Софья Витовтовна вырывает пояс у князя Василия Косого (1861) и Стрелецкий бунт (1862) не вызывают благосклонного отношения академического начальства. Видимо, не случайно у начинающего художника «не идут» исторические полотна патетического содержания. Потому что его больше интересует жизнь простого народа.
Он много иллюстрирует в эти годы Н. А. Некрасова и И. С. Тургенева, каждое лето выезжает в русскую деревню, изучая жизнь крестьян. И как результат на выставках появляются его жанровые полотна, лучшее из которых — Утопленник в деревне (1867) — принесло ему известность и звание академика (именно с этого времени художник начинает подписываться двойной фамилией, которая сохранится за ним на всю жизнь).
Живя в Париже, Н. Д. Дмитриев-Оренбургский не порывает с родиной. Он каждое лето выезжает в русские деревни, пишет много этюдов. Художник стал одним из организаторов Общества взаимного вспоможения и благотворительности русских художников в Париже. Его картины охотно выставляют в Салоне и покупают.
Во время войны России против Турции (1877 - 1878) за освобождение балканских народов от турецкого ига художник едет в действующую армию. Его батальные полотна получают положительную оценку скупого на похвалы В. В. Верещагина. Фактически «боевая» тематика остается основной для него на последующие годы. Хотя выставляет он в 1880-е годы и свои любимые картины Оком деревни, Крестьянская девушка, Воскресение в деревне (к сожалению, судьбы этих полотен неизвестны).
1859 - 1918 г
Пример великого постоянства в избранном пути в творчестве
являет
Среди произведений художника картина Притихло (1890), передающая предгрозовое состояние природы, она принесла ему особое признание, в том числе и российских корифеев пейзажа. Всего же Н. Н. Дубовским было выполнено более 1000 этюдов и 400 картин. Действительный член Академии художеств и ее профессор пейзажного класса Н. Н. Дубовской завещал значительную часть своих произведений и картин собранной им коллекции городу детства — Новочеркасску.
1776 - 1851 г
В достойной жизни
нашего замечательного художника Алексея Егоровича Егорова много интереснейших
фактов. Современники (и не только в России, но и в Италии) при жизни художника
дали высшую оценку его таланта, назвав «русским Рафаэлем» (приведенные картины
подтверждают, что прозвище вполне обоснованно). Еще более интересным является
тот факт, что художник с такими простыми русскими фамилией, именем и отчеством
является калмыком по рождению. Совсем ребенком он был подобран казаками в
калмыкской степи и отдан... в Воспитательный дом в Москве — редкий пример
гуманного отношения победителей к побежденному. А далее заложенный в зернышке
талант дает мощный побег гениального рисовальщика и живописца. Такое возможно
лишь на благодатной почве. И потому ребенком Алексея уже в 1782 году переводят в
Воспитательное училище при Академии художеств. А после окончания Академии —
поездка в Италию, где он поражает, а иногда и смущает своим талантом итальянских
художников. Сам Папа Пий VII уговаривает его остаться в Италии придворным
живописцем. Однако Алексей Егоров возвращается в Россию, где его ждет слава,
напряженная работа живописца и преподавателя (среди его учеников Ф. А. Бруни, К.
П. Брюллов, А. А. Иванов и др.), заслуженные награды и звания. Он типичный
представитель русского высокого классицизма, пишет портреты, принимает самое
активное участие в росписях церквей и соборов в Петербурге и его пригородах,
Грузии, Польше. Но именно написание образов для церквей в Петербурге и Царском
Селе вызвали недовольство большого знатока церковной живописи. К сожалению, этим
знатоком оказался император Николай I (самодурство — во все времена
самодурство). Последовало отстранение А. Е. Егорова, несмотря на защиту
художника Советом Академии художеств, от преподавательской работы. Впрочем, к
художнику за советом по-прежнему обращались даже светила отечественной живописи.
Да и работал над картинами А. Е. Егоров до последних своих дней.
1873 - 1944 г
Замечательным
представителем русской пейзажной школы был Станислав Юлианович Жуковский. Ученик
В. Д. Поленова, В. А. Серова, С. А. Коровина, И. И. Левитана, он в своих лучших
работах достиг высот учителей. Его интерьеры уходящих дворянских усадеб, их
гармоничное единение с природой, временем года и временем дня, состояние самой
природы — все вызывало у смотрящих его картины сопереживаемое понимание неясных
и непредсказуемых грядущих перемен.
Родился Станислав Жуковский в семье известного польского дворянина, лишенного за участие в польском восстании 1863 года всех сословных и имущественных прав. Увлеченный живописью, молодой человек уехал учиться в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) (1892 - 1901). Безусловно, наибольшее влияние на живопись С. Ю. Жуковского оказал И. И. Левитан, который выделял талантливого юношу среди своих учеников. Да и успех приходит к С. Ю. Жуковскому достаточно скоро. Студентом он становится участником
Товарищества передвижных художественных выставок, некоторые из его первых работ приобретает Третьяковская галерея. С. Ю. Жуковский — один из организаторов Союза русских художников, преподаватель МУЖВЗ и основанной им художественной школы, академик.
Первые годы советской власти художник живет и работает в Вятке. В 1921 году возвращается в Москву, устраивает выставку своих картин, вызвавшую несправедливые нападки занимавших в эти годы главенствующие позиции в искусстве представителей авангардистской живописи. Возможно, такое отношение коллег по искусству, возможно, ностальгия по исчезнувшим временам «дворянских гнезд», возможно, зов крови заставили художника в 1923 уехать в Польшу. Он продолжает работать, собирается временами вновь переехать теперь уже в СССР. Но годы идут, в Европе накатывается новый вал катаклизмов. В огне Второй мировой С. Ю. Жуковский и сгорает. После неудачного Варшавского восстания (1944) он погибает в нацистском концлагере.
1836 - 1901 г
Одна из представленных картин жанриста и портретиста Фирса Сергеевича Журавлева любознательному зрителю-читателю напомнит более известное полотно Василия Пукирева Неравный брак. Тема картины прозрачна, по ней легко составить небольшой рассказ. Этим и отличались большинство обличительных картин русских передвижников, внесших большой вклад в пробуждение сознания российского общества. Интересно, что, поступив в 1855 году вольнослушателем в Академию художеств, приняв участие в «Бунте четырнадцати» и став одним из организаторов «Артели художников» (возглавлял И. Н. Крамской), Ф. С. Журавлев в Товарищество передвижных художественных выставок так и не вступил. Хотя темы большинства его работ созвучны жанровым картинам художников- передвижников. Художник создал много картин, живописующих быт и общественную жизнь России.
Он писал также портреты писателей и деятелей искусства. Наконец, Ф. С. Журавлев принял активное участие (1870 - 1883) в росписи храма Христа Спасителя в Москве — работе, делающей честь всем российским художникам.
1818 - 1870 г
Глаза и руки Сергея Константиновича Зарянко были устроены таким образом, что с помощью данного ему таланта и приобретенного мастерства он изображал позирующего на своих портретах с предельной верностью и реалистичностью (представленные воспроизведения его портретов — тому свидетельства). Да, это было художественным кредо живописца — передавать изображаемое с максимальной схожестью с натурой, особенно это касалось его портретов. В какой-то степени это было влиянием его первых учителей — В. М. Аврорина и А. Г. Венецианова, хотя до изображения простолюдинов последнего С. К. Зарянко «не опускался».
В Академии художеств «посторонний» студент Зарянко обучался под руководством пейзажиста М. Н. Воробьева. Первые же работы художника были посвящены интерьерам: Зал Училища правоведения с группами учителей и воспитанников (1840 - 1841), Вид внутренности Морского Никольского собора (1843), Внутренний вид Петропавловской церкви и др. Затем пришло время тщательно прописанных портретов.
Художник достиг почти всех существующих в то время званий — академик (1843), профессор живописи (1850), старший профессор Московского училища живописи и ваяния (1856). Возможно, не осуществилась лишь одна его мечта — он не преподавал в Академии художеств. Хотя для него главным была его работа. И он работал до своей последней минуты.
1806 - 1858 г
Величайший
русский художник Александр Андреевич
Иванов начал свой путь к вершинам искусства живописи ребенком. Его учителем был
отец — А. И. Иванов, один из лучших живописцев начала XIX века и ведущий
преподаватель Академии художеств.
Уже в одиннадцать лет Александр Иванов становится вольноприходящим учеником Академии (1817 - 1828), после окончания которой он уезжает в Италию (1831) и пребывает там практически до конца отпущенной ему жизни.
Начав свое творчество в Италии с двух ставших известными картин (Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением, 1831 - 1833; Явление Христа Марии Магдалине после воскресения, 1835), Александр Иванов следующие двадцать лет трудится над главной картиной русской живописи — Явление Христа народу. Работая над картиной, художник создает множество этюдов, чудесных пейзажей (например, Ветка), портретов (один из них — Н. В. Гоголя, с которым А. А. Иванова связывали дружеские отношения). Его находки (возьмите этюд Драпировки, лежащие на круглом столе) сделали бы честь многим новаторам живописи конца XIX века. Художник же вновь и вновь обращался к важнейшей для себя и человечества теме — пришествию Иисуса Христа на землю. В мае 1858 года Александр Иванов возвращается на родину, его картину и множество этюдов выставляют в Зимнем дворце, в Академии художеств. И пока обществом идет осмысливание сотворенного А. А. Ивановым, художник умирает, отправляясь к отцу и Богу. В полном соответствии со своей ранней картиной, когда Иисус обращается к Марии: «Не прикасайся ко Мне, ибо Я еще не восшел к Отцу Моему; а иди к братьям моим и скажи им: восхожу к Отцу Моему и к Отцу вашему, и к Богу Моему и Богу вашему».
1776 - 1848 г
Талантливым представителем
русского классицизма первых десятилетий XIX века является Андрей Иванович
Иванов, который с детства, в стенах Академии художеств, впитал уважение к
рисунку, композиции, темам, колориту создаваемых картин. Воспитанник Академии
(1782-1797), ученик Г. И. Угрюмова, Андрей Иванов талантливо воплотил в своих
полотнах сцены библейских и мифологических сюжетов, русской истории.
В 1803 году он получает звание академика за картину Адам и Ева с детьми под деревом. В 1812 ему присваивают звание профессора Академии за картину Единоборство Мстислава Удалого с косожским князем Редедей в 1022 году. Преподавательский талант А. И. Иванова едва ли не превышает талант живописца, ибо среди его учеников — два гиганта русской академической живописи: сын Александр Иванов и Карл Брюллов.
Но, как водится не только на Руси, талант не есть синоним преуспевания. Картина Иванова Смерть генерала Кульнева (1827 - 1830) явилась причиной монаршего гнева. По приказу императора Николая I (уже отмечалось, что российский самодержец считал себя большим знатоком искусства) профессора живописи А. И. Иванова увольняют (1831) из Академии художеств.
Однако живописец не изменяет себе. Он неустанно работает: пишет картины, делает много рисунков, участвует в оформлении храмов и церквей.
Жизнь А. И. Иванова — достойное служение избранному в детстве предназначению и любезной Отчизне (император и отечество — совсем не синонимы).
1864 - 1910 г
Значительная часть творчества русско
Прежде чем выступить в своих полотнах в защиту незавидной участи переселенцев, Сергей Иванов учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), в Академии художеств (1882 - 1884) и снова в МУЖВЗ (1884 - 1885) у И. М. Прянишникова и Е. С. Сорокина. Первая серьезная картина художника В дороге. Смерть переселенца (1889) приносит С. В. Иванову известность. Он много раз посещает места, связанные с переселенцами (Самарская, Саратовская, Оренбургская губернии), посещает пересыльные тюрьмы. Его настроение совпадает со взглядами многих художников-передвижников, именно поэтому он вскоре становится членом Товарищества передвижных художественных выставок (1899).
Однако все прошедшие годы идет поиск иных тем и способов выражения внутреннего состояния. С. В. Иванов постепенно, возможно, под влиянием работы на пленэре меняет свой рисунок и палитру. Это происходит в годы создания Союза русских художников, в котором С. В. Иванов играет определенную роль. Художник обращается к историческому жанру, пишет портреты своих близких, иллюстрирует книги. Он остается художником-реалистом, несмотря на наступившие времена поисков, модерна, отказа от предметного искусства. Представленные картины показывают, что для усиления реальности происходящего художник насыщает полотна деталями, характерными для изображаемых времен.
В 1905 году С. В. Иванов становится обладателем почетного звания академика. В течение почти десятилетия являлся преподавателем МУЖВЗ. Помимо исторических картин и жанровых композиций, писал портреты и пейзажи, занимался иллюстрацией книг, среди которых были произведения А. С. Пушкина и М. Ю. Лермонтова.
1833 - 1886 г
По
словам Константина Коровина в пейзажах
Льва Львовича Каменева
«сквозит какая-то неземная поэзия русских лесов, дорог, холмов, прикрытых
кустами, и освещенные вечерним солнцем деревни». Удивительное дело: рассматривая
небольшие по размерам уголки русской природы на пейзажах Л. Л. Каменева,
действительно начинаешь чувствовать не поражающую многоцветней красоту нашей
природы и понимать, что перед нами художник, внесший свой значительный вклад в
великое искусство русского пейзажа XIX века.
Учился Лев Каменев в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1854 - 1857), где среди его учителей были К. И. Рабус и А. К. Саврасов, побывал в Германии и Швейцарии и стал едва ли не самым заметным русским художником, писавшим тонкие лирические пейзажи.
Фактически творчество Л. Л. Каменева простирается на одно десятилетие — 1860-е годы. Его картины охотно встречают и еще более охотно покупают. Поэтому полотна живописца широко представлены во многих художественных музеях страны. Не был он обделен и официальным признанием — в 1869 году Л. Л. Каменев становится академиком. В 1871 году живописец активно выступает одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.
Однако с этого же времени картины художника все реже появляются на выставках, а его имя все чаще упоминается в связи с «болезнью — пагубным пристрастием» многих гениев мирового искусства. Л. Л. Каменев был, к сожалению, представителем русской квоты, не выразивших себя до конца, часто действительно великих мастеров.
1859 - 1930 г
Творчество Николая Алексеевича Касат
Сын известного московского гравера, Николай Касаткин учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1873 - 1883), окончив его с большой серебряной медалью и званием художника. Так высоко была оценена его первая картина Нищие на церковной паперти. Затем следует достаточно длительный перерыв в работе живописца. По приглашению известного русского книгоиздателя И. Д. Сытина Н. А. Касаткин работает над Русской историей в картинах. К следующему своему живописному полотну художник подошел лишь через шесть лет. Тогда же вступает в Товарищество передвижных художественных выставок и пишет цикл картин, посвященных нелегкой жизни городской бедноты. Исключением, пожалуй, является его картина Соперницы (1890). Но это, как говорят в ученом мире, скорее ошибка эксперимента, нежели закономерность. Поездки Н. А. Касаткина в Донбасс и на Урал «выдали на-гора» цикл картин, посвященных тяжелейшему труду горняков и их семей. Естественной для художника была серия работ, связанная с событиями первой русской революции. После Октябрьской революции 1917 года Н. А. Касаткин органически входит в новое общество — герой его полотен не изменился, лишь стал социально более активным. Поэтому не удивительно, что именно Н. А. Касаткину первому в Советской России присвоили звание народного художника (1923).
А еще Н. А. Касаткин был любимым преподавателем студентов Московского училища живописи, ваяния и зодчества (до 1917).
1851 - 1895 г
Нe
Алексей Данилович Кившенко много работал как живописец. При этом он был талантливым баталистом (известен его цикл картин, посвященный Русско-турецкой войне 1877 - 1878 годов), зарекомендовал себя как хороший жанрист (его картины по тематике близки работам многих передвижников), его многочисленные путешествия позволяли ему создавать интересные пейзажи. Наконец, писал он картины и на исторические темы. Собственно своей военно-исторической (не батальной) картиной он и оставил память о себе.
Алексей Кившенко, уроженец Тульской губернии, рано пристрастился к художественному делу. Вначале он обучается в Рисовальной школе Общества поощрения художников в Петербурге (1860 - 1877), заканчивает обучение в Академии художеств (1867 - 1877). И для того, чтобы получить право на пенсионерскую поездку в Европу, пишет полотно, посвященное одному из ключевых моментов в истории России, важнейшему военному совещанию Отечественной войны 1812 года. Созданная картина Военный совет в Филях в 1812 году приносит художнику заслуженную известность, саму же картину художник повторяет еще дважды: по заказам П. М. Третьякова для его галереи и московских властей для Музея истории и реконструкции Москвы. На картине самый драматический момент совещания: «Я приказываю отступление властью, данной мне государем и Отечеством». Это М. И. Кутузов. Просто необходимо перечислить всех участников совещания — это ж история нашей страны (слева направо): П. С. Кайсаров, М. И. Кутузов. П. П. Коновницын, Н. Н. Раевский, А. И. Остерман-Толстой, Л. Л. Беннигсен, М. Б. Барклай де Толли, Ф. П. Уваров, К. Ф. Толь, Д. С. Дохтуров, А. П. Ермолов.
Наверное, при написании картины художник использовал многочисленные портреты героев Отечественной войны (да это и правильно), но переданный драматизм военного совета, миг принятия решения и историческая верность происшедшего делают картину А. Д. Кившенко лучшей его картиной и одним из лучших полотен русской исторической живописи.
1782 - 1836 г
Есть в
русском языке выражение «мятущаяся душа», смысл которого достаточно прозрачен,
хотя точный перевод на общепринятый язык дать непросто. Именно такой душой
обладал один из талантливейших русских портретистов Орест Адамович Кипренский.
Всю свою творческую жизнь мечтал он писать крупные полотна на исторические или
мифологические сюжеты, а наибольшего успеха добивался в писании портретов
современников, за которые его иногда путали с Рубенсом, иногда называли русским
Ван Дейком. Именно при написании портретов душа художника успокаивалась, и перед
зрителями возникали умиротворенно-одухотворенные спокойные лица (Портрет отца
художника Адама Карловича Швальбе, 1804; Портрет Дарьи Николаевны
Хвостовой, 1814; Портрет графини Екатерины Петровны Ростопчиной,
1809; Портрет датского скульптора Бертеля Торвальдсена, 1833) либо полные
достоинства и уверенности представители русской армии (Портрет
лейб-гусарского полковника Е. В. Давыдова, 1809). Отдельный разговор —
Портрет поэта Александра Сергеевича Пушкина (1827). Ведь у каждого из нас
свой А. С. Пушкин. И, насколько он совпадает с великим поэтом Кипренского,
каждому и судить.
Незаконный сын (читай полукрепостной) помещика А. С. Дьяконова Орест Кипренский воспитывался в семье приемного отца А. К. Швальбе. Очень рано, с 1788 года, начал заниматься рисованием в Воспитательном училище при Академии художеств, которую окончил в 1803 году. В 1805 получил большую золотую медаль Академии художеств за картину Дмитрий Донской на Куликовом поле и право на пенсионерскую поездку в Италию, отложенную в связи с наполеоновскими войнами в Европе. Достойной же компенсацией за временно отложенную поездку явился его стремительно растущий талант портретиста. Завоевал Орест Кипренский своим талантом и Италию, когда в 1816 году отправился все же в зарубежную поездку: ему заказывают автопортрет для галереи Уффици во Флоренции (предложение, с которым обращались только к великим живописцам).
В Петербург, где его ожидал достаточно холодный прием, он возвратился в 1823 году. Много пишет по-прежнему замечательных портретов (в частности, Автопортрет, 1828), ему удается написать желанное для него большое полотно (Аполлон, поражающий Пифона, 1825). Но успокоения О. А. Кипренский не находит на родной земле и в 1828 году снова уезжает в Италию, чтобы вновь продолжить земные и творческие поиски. А они для великого русского портретиста, одного из первых романтиков русской живописи, оказались недолгими.
1838 - 1911 г
Александр Александрович Киселев являет собой пример
человека, исключительно активно прожившего жизнь. Ему мало было заниматься
изучением правоведения (учился на юридическом факультете Петербургского
университета с 1858 по 1861), он увлекался живописью и поступил в Академию
художеств, где занимался у С. М. Воробьева (1862 - 1864). После пребывания в
Академии уезжает в Харьков, в котором использует в своей работе все, что познал
за годы учебы в Петербурге: работает в адвокатуре, пишет пейзажи, осваивает
иконопись, ведет уроки рисования.
Прожив в Харькове девять лет и став в городе известным человеком, А. Киселев уезжает в Москву, где в атмосфере живой художественной жизни быстро находит свое общественное призвание. Он становится активным членом Московского общества любителей художеств, членом Товарищества передвижных художественных выставок, сотрудничает с журналом Артист, одно время заведуя в нем художественным отделом, публикует статьи, посвященные искусству конца XIX века.
Однако живопись по-прежнему остается его основным занятием. Художник много пишет, вырабатывая свой стиль пейзажной живописи, постоянно участвует в проводимых названными обществами выставках.
Его творческий диапазон художника-пейзажиста весьма широк: от изображения тихих уголков русской природы до широких, панорамных видов экзотической натуры, многочисленные эскизы которой художник привозит из путешествий по Крыму, Кавказу, Германии, Франции, Италии. Являясь художником-реалистом, А. А. Киселев пропускал изображаемую природу через свое лирическое отношение к ней, что делало его пейзажи поэтичнее увиденного.
С 1895 по 1911 год художник живет в Петербурге. Он по-прежнему активен. В 1899 году его избирают академиком Академии художеств, он много пишет картин и участвует в художественных выставках, является профессором Академии, где руководит пейзажным классом (1897 - 1911). Пейзажи оставались с А. А. Киселевым до последних дней его жизни. С нами они во многих музеях страны.
1850 - 1924 г
Обучение искусству пейзажа в Академии художеств при ее
становлении сводилось к освоению единственно возможной, как было принято думать
в те времена, итальянской школы пейзажной живописи. А отсюда возникший термин
«итальянский (академический) пейзаж» означал красивое изображение (форма)
красивой местности (содержание). Постепенный естественный (или эволюционный)
отход от академического пейзажа наблюдается в русской живописи фактически с
середины XIX века. И хотя чистота направлений в пейзажной (и не только в ней)
живописи — понятие достаточно условное, гипотетически выделим пейзажную живопись
академическую по форме (красивость в исполнении) и неброскую по содержанию
(скажем, незатейливый кусочек натуры). К примерно такому направлению и
принадлежат пейзажи Юлия Юльевича Клевера, уроженца города Дерпта (ныне — Тарту,
Эстония), учившегося в Академии художеств (1867 - 1870) у С. М. Воробьева и М.
К. Клодта.
Его работы пользовались огромным успехом у современников: Деревня на острове Нарген (1881), Заброшенная мельница (1890), Рыбацкая деревня (1892), наконец, Забытое кладбище (1890). Наверное, его картины многих волновали и волнуют. Но, что не вызывает сомнения, они радуют глаз, пробуждают чувство, близкое к умилению, дают понимание, что написаны талантливым живописцем. Последнее объективно, поскольку картины Ю. Ю. Клевера до сих пор пользуются большим спросом на антикварном рынке.
Естественно, что Ю. Ю. Клевер достиг и формального признания: он академик живописи, профессор Академии художеств, член-учредитель Общества выставок художественных произведений.
1832 - 1902 г
Имя Михаила Константиновича Клодта (барона Клодта фон
Юргенсбурга) безо всяких оговорок должно упоминаться среди выдающихся русских
художников-пейзажистов. Прежде всего за его широкий талант, его великое
мастерство, его великолепные пейзажи. Но важно добавить и другое. Барон Клодт
фон Юргенсбург был большим патриотом русской природы и, следовательно, России.
Рожденный в известном своими талантами в искусстве семействе Клодтов, получивший прекрасное художественное образование (обучался рисунку в Горном кадетском корпусе у И. Ф. Хруцкого и пейзажной живописи в Академии художеств у М. Н. и С. Н. Воробьевых), проявивший большое мастерство при обучении, М. К. Клодт через год пребывания в пенсионерской поездке за границей просит разрешения возвратиться на родину, чтобы использовать пенсионерство для поездки по России. Отточенный академическим образованием талант Клодта позволяет создавать ему замечательные, чисто русские пейзажи: Вид в Орловской губернии (1864), Волга у Жигулей (1879), Пахари на Украине (1879).
Многое в пейзажной живописи художник писал впервые. Его картина Большая дорога осенью (1863), дающая большую панораму одной из бед российской действительности всех времен — дороги, стала темой во многих работах последующих пейзажистов. Его знаменитая работа На пашне (1872), напротив, связывает с широтой изображаемого простора оптимистический взгляд на русскую природу. Лесная даль в полдень (1878) М. К. Клодта предвосхищает Лесные дали (1884) И. И. Шишкина. Наверное, нет смысла перечислять все шедевры живописца, ибо каждое из его полотен по-своему является выдающимся произведением.
Потому М. К. Клодт стал одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. Естественным было и получение художником всех официальных академических званий. С 1872 года он возглавлял пейзажный класс в Академии художеств. К сожалению, болезнь глаз резко снизила его творческую и преподавательскую деятельность уже с 1880-х годов. Но созданное М. К. Клодтом — заметный вклад в русское искусство XIX века.
1843 - 1903 г
Военные корреспонденты появились, наверное, с первой
периодической печатной продукцией. Только вместо «Лейки» фотокорреспондентов,
например, Великой Отечественной войны фотохудожники второй половины XIX века,
прикомандированные к действующей армии, должны были иметь при себе блокноты,
карандаши и прочие художественные принадлежности, позволявшие им эскизно
запечатлеть миг сражения или события, связанного с войной.
Имевший склонность к живописи сын профессора Казанского университета Павел Осипович Ковалевский выбрал батальный класс, когда в 1863 году поступил в Академию художеств. К тому времени в Академии уже сложились определенные традиции обучения батальной живописи, мощный толчок для развития которой дала Отечественная война 1812 года. Окончив под руководством Б. П. Виллевальде Академию, художник в своей пенсионерской поездке в Италию за картину Раскопки в окрестностях Рима (1867) получил звание академика. После возвращения в Россию путешествует по Кавказу — месту, особо притягательному для любого художника-баталиста. Картины, созданные по кавказским эскизам, явились этапом подготовки к работе во время Русско-турецкой войны 1877 - 1878 годов. П. О. Ковалевский, командированный в действующую армию в качестве художника, пишет картины Штаб 12-го корпуса в Болгарии (Пленные турки) (1878), 12 октября 1877 года (Перевязочный пункт) (1878).
В 1880-е годы эскизы Балканской кампании были использованы П. О. Ковалевским при написании полотен для Военной галереи Зимнего дворца: Сражение при реке Лож 12 октября 1877 года, Кавалерийское дело у Трестеника и Мечки 14 ноября 1877 года, Ночной бой под Карагачем 4 января 1878 года.
Хотя художник писал и жанровые сцены (например, Объезд епархии, 1885), его привязанность была определена еще в детстве. Именно поэтому профессор (1881) Академии художеств П. О. Ковалевский, возглавив в 1897 году батальную мастерскую Академии художеств, руководил ею и будущими художниками-баталистами до своих последних дней.
1879 - 1955 г
Степан Федорович Колесников обещал вырасти в заметного
русского пейзажиста. После получения начального образования в Одесской
художественной школе он поступает (1903) и с успехом заканчивает (1909) Академию
художеств в звании художника и с правом на заграничную командировку. Его
дипломная работа Весна подытоживала многочисленные учебные пейзажи,
которые молодой академист привозил из своих частых поездок на юг России, в
Бессарабию, на Балканы, в Карпаты. В пенсионерской поездке С. Ф. Колесников
побывал во Франции и Италии, вскоре после нее (1913) совершил длительное
путешествие в Туркестан и Китай.
Любимой темой художника было состояние южнорусской природы во время ее бурного пробуждения — таяния снегов, половодий, веселых весенних дней. С удовольствием он писал и бытовые композиции, населенные людьми и домашними животными. Во время Первой мировой войны обратился к военной тематике, создав ряд вызвавших положительные отклики полотен.
До времени великих перемен (октябрьские события 1917 года, Гражданская война) много и плодовито работал, регулярно участвуя, иногда с большим числом работ, на многочисленных выставках. Ни вниманием критики, ни ее оценкой его творчества С. Ф. Колесников обижен не был. Наоборот, на экспозициях регулярно занимал высокие места и часто поощрялся премиями.
В 1920 году С. Ф. Колесников эмигрировал из бушующей страны и поселился в Сербии. Вскоре он стал профессором белградской Академии художеств. В 1920-е годы организовал несколько персональных выставок в странах Европы. В это же время выполнил ряд серьезных монументальных работ. Среди них — роспись плафона (свыше 80 квадратных метров) для оперного театра в Белграде. Работы художника представлены в ведущих музеях страны.
1854 - 1924 г
Судя по сохранившимся отзывам, Гавриил Павлович Кондратенко не стремился к получению официальных академических званий. И в жизни, и в творчестве он был самобытным человеком и художником. В 1873 году молодой Кондратенко, уроженец Пензенской губернии, поступает в Академию художеств вольноприходящим учеником. Два года занимался в классе исторической живописи под руководством К. Ф. Гуна. С 1875 года переходит на очное обучение в пейзажный класс, где под руководством М. К. Клодта получает медали — шесть серебряных и малую золотую. В 1883 году за серию пейзажей Общество поощрения художеств присуждает молодому живописцу первую премию. В 1884 году Г. П. Кондратенко устраивает персональную тематическую выставку, посвященную трем географическим местам пребывания своего прославленного земляка М. Ю. Лермонтова. На пейзажах художника запечатлены: родина поэта и писателя Тарханы, виды Москвы, Пятигорска и Кавказа. Кстати, сбор от выставки и продажи каталогов пошел на памятник М. Ю. Лермонтову и в пользу нуждающихся литераторов и ученых. Творческое наследие Г. П. Кондратенко значительное. Десятки его пейзажей с видами Крыма, Кавказа, российских черноморских берегов украшают экспозиции многих музеев и художественных галерей страны.
1835 - 1894 г
Родители
Алексея Корзухина были горнозаводскими
крестьянами или, что понятней, крепостными рабочими на одном из рудников Урала.
Сын должен был в свое время оказаться на том же или другом руднике и повторить
жизненный путь родителей.
Так бы и случилось, если бы шестилетний мальчишка не выучился писать иконы и продавать их на базаре. Там его заприметил местный иконописец и взял к себе в ученики. Обратил внимание на талантливого мальчика и начальник уральских горных заводов С. Ф. Глинка. Он определил Алексея Корзухина в Горное училище, откуда все еще сын государевых крепостных отправляется в Петербург и поступает в 1858 году в Академию художеств. Пробивались, значит, в России одаренные юноши из крепостных в художники, архитекторы, инженеры.
В 1861 году Алексей Корзухин за необычную для Академии картину Пьяный отец семейства получил малую золотую медаль — бытовые сюжеты стучались в Академию все активнее.
В 1871 создается Товарищество передвижных художественных выставок. Среди членов-учредителей Товарищества числится и А. И. Корзухин, который с 1868 года является академиком Академии художеств (почетное звание ему было присуждено за картину Возвращение с сельской ярмарки). Свои картины, близкие по духу работам передвижников, он часто выставлял на академических выставках. В это время он пишет многофигурные бытовые сцены с тщательной проработкой композиции. При этом техника исполнения выгодно отличает картины А. И. Корзухина от произведений многих художников-жанристов. Хотя большинство картин по-прежнему посвящены сценам народной жизни, острых социальных вопросов они не поднимают (Возвращение из города, 1870; Разлука, 1872; Перед исповедью, 1877; В монастырской гостинице, 1882; Петрушка идет, 1888; Девичник, 1889). Картины Перед исповедью и В монастырской гостинице были замечены и приобретены П. М. Третьяковым, что означало приобщение их к числу наиболее значимых полотен национальной живописи.
Современники тепло отзывались о художнике: «Всегда радушный, чуждый всякого чувства зависти к своим собратьям по искусству, он всегда готов был служить словом и делом на пользу каждого, кто приходил к нему. Алексей Иванович знал по горькому опыту, что такое жизнь... Единственной целью его жизни было искусство и работа».
1861 - 1939 г
Наверное, можно назвать Константное на Алексеевича
Коровина главным русским импрессионистом. Ему действительно стала близка манера
писания картин, характерная для творчества французских предшественников. Но речь
здесь идет скорее не о подражании, а о кипучей натуре художника, стремящегося
как можно скорее запечатлеть миг быстротекущей жизни и знающего, что есть
техника, позволяющая это выполнить. Отсюда игра световоздушной среды на полотнах
художника, намеренная эскизность его работ. Хотя по своему творческому дару К.
А. Коровин был шире большинства пионеров-импрессионистов.
Проучившись год (1875) на архитектурном факультете Московского училища живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), К. А. Коровин переходит на живописное отделение, где его учителями становятся А. К. Саврасов и В. Д. Поленов. Какое-то время он обучался в Академии художеств в Петербурге (1882), но возвращается неудовлетворенный академическим обучением в Москву и оканчивает МУЖВЗ в 1884 год).
Далее насыщенная творческая, общественная, просто человеческая жизнь, быстро принесшая ему известность и признание. К. А. Коровин пишет большое число картин, многие из которых получают награды на различных выставках. За оформление русского павильона на Всемирной выставке в Париже художник получает одиннадцать наград, в их числе две золотые медали, а французское правительство награждает его орденом Почетного легиона. С 1910 года К. А. Коровин — главный декоратор Императорских театров. Принял участие в оформлении свыше 100 спектаклей в Москве и Петербурге. Наконец, он один из самых активных преподавателей МУЖВЗ, опекавший многих в будущем известных художников.
В 1922 году К. А. Коровин уезжает в Париж, но без русской жизни, русского возду
хе творчество художника угасает. Потому и зарабатывает на жизнь в основном своим литературным трудом. Разрыв с родиной оказался для К. А. Коровина драматичным.
1837 - 1887 г
Среди
русских художников всех времен Иван
Николаевич Крамской занимает особое место. Выдающийся живописец, он своей
общественной деятельностью много сделал для активного продвижения русской
живописи в народ, способствуя и художественному просвещению населения России, и
возникновению по всей стране художественных школ, училищ, музеев. Ибо И. Н.
Крамской явился идейным вождем и главным организатором Товарищества передвижных
художественных выставок (1870) — объединения художников, позитивное влияние
которого на последующую культурную жизнь России трудно переоценить.
Свой путь в искусство Иван Крамской начал с ученика иконописца и ретушера фотографа. В 1857 году поступает в Академию художеств, в которой обучается живописному мастерству до 1863 года. В этом году в Императорской Академии художеств произошло событие, названное «Бунтом четырнадцати». Группа выпускников Академии отказалась писать дипломную картину на заданную руководством мифологическую тему, потребовав свободу выбора тем для выпускных работ. Во главе «бунтовщиков» стоял двадцатишестилетний Иван Крамской.
Далее последовали создание Артели художников, участие в росписях храма Христа Спасителя в Москве (1863 - 1866), серия графических и живописных портретов известных российских деятелей и главное дело жизни — создание Товарищества передвижников. Это внешняя сторона деятельности И. Н. Крамского.
Внутренняя была наполнена исключительно интенсивной творческой работой и поисками своего места в живописи. Выражением этой внутренней напряженности явилась картина художника Христос в пустыне, которая с последовавшей за ней серией портретов русских писателей, написанной по заказу П. М. Третьякова, приносят И. Н. Крамскому славу одного из лучших живописцев России. Он становится даже учителем рисования детей императора Александра III, много сделавшего, подобно П. М. Третьякову, для развития русской живописи.
Отпущено было Ивану Николаевичу Крамскому совсем немного — неполных пятьдесят лет. Навечно остались его картины, любовь и благодарность россиян.
1858 - 1911 г
Способности юного Константина Крыжицкого к рисованию были очевидны. Именно поэтому после окончания Киевского реального училища он поступает в 1877 году в Академию художеств. Учителем будущего академика пейзажной живописи Константина Яковлевича Крыжицкого был замечательный художник и преподаватель М. К. Клодт, под руководством которого юноша успешно постигает изобразительную грамоту. После учебных серебряных и золотых медалей К. Я. Крыжицкий получает в 1884 году по выходу из Академии звание классного художника первой степени. Основной специализацией художника стал пейзаж. Большинство его работ демонстрировалось на академических выставках с 1879 года, где они охотно раскупались известными или малоизвестными коллекционерами. Такие же картины художника, как Лесные дали (1889), Майский вечер (1886), Гроза собирается (1885), Перед полуднем (1886), Земная улица (1897), стали собственностью членов императорской семьи или самой Академии художеств. Был также К. Я. Крыжицкий автором замечательных акварелей и первоклассных рисунков углем. В последнем виде творчества с ним в его время мало кто мог сравниться.
1842 - 1910
Одной из самых ярких личностей в истории русской живописи
был, безусловно, Архип Иванович Куинджи. Выдающийся пейзажист-новатор,
замечательный педагог, патриот. Этими общими словами лишь частично определена
личность А. И. Куинджи. Следует сделать одно важное добавление: это был человек,
который сам добился того, чтобы заложенный в нем огромный талант реализовался
полностью.
Рано осиротевший сын бедного сапожника, грека по национальности, двадцатилетний Архип Куинджи после нескольких лет работы ретушером у фотографа едет в Петербург. После двух неудачных попыток поступления в Академию художеств (мало-мальски начального художественного образования у него не было) юноша начинает писать картины самостоятельно и вскоре добивается первых успехов. Он становится участником академических выставок и вольнослушателем Академии.
Отдав дань в своих первых работах показу безысходности российской жизни, свое дальнейшее творчество художник посвятил изображению красочной, яркой, дивной природы. Каждая новая картина А. И. Куинджи — событие в русском искусстве. Заметим, что живописец ввел в практику художественной жизни выставку одной картины, начав с Лунной ночи на Днепре (1880).
Как преподаватель, а А. И. Куинджи с 1894 года возглавил пейзажную мастерскую в Академии художеств, оказал решающее влияние на развитие талантов многих дарований, среди которых были К. Ф. Богаевский, Н. К. Рерих, А. А. Рылов.
Как гражданин А. И. Куинджи жертвует значительную сумму денег Академии художеств на выплату премий молодым живописцам. В 1909 году по его инициативе было создано Общество имени А. И. Куинджи, основной целью которого было «...оказывать как материальную, так и иную поддержку всем художественным обществам, кружкам и отдельным художникам». Объединению Куинджи передал значительную сумму денег и свою собственность, завещал все свои картины и свое состояние.
Через несколько месяцев после организации Общества А. И. Куинджи не стало — он выполнил все свои мирские предначертания.
1878 - 1927 г
Трудно, наверное, найти в мировой живописи
пример более преданного служения именно русскому искусству, чем жизнь и
творчество нашей отечественной любви и гордости — Бориса Михайловича Кустодиева.
Прикованный последнее десятилетие жизни к инвалидной коляске, испытывающий
постоянные мучительные боли, часто работающий лежа под установленным над ним
холстом, художник именно в эти годы создал особенно много красочных и полных
жизнелюбия полотен. Он как бы творил в соответствии с имеющей хождение в наши
годы народной прибауткой — хорошего должно быть много. Много русского раздолья и
удали в Масленице (1916), таланта и широты русского человека в
Портрете Федора Шаляпина (1921), доброго, женского и, следовательно,
прекрасного в Красавице (1915,1921), Купчихезачаем (1918),
Купчихе с зеркалом (1920), Русской Венере (1925 - 1926).
А родился Б. М. Кустодиев в небогатой семье в Астрахани, где до сих пор чувствуются следы некогда процветавшего купеческого сословия. После смерти отца (1879) юный Борис учился в духовном училище и семинарии (кстати, все четверо детей рано умершего Михаила Лукича Кустодиева и ставшей молодой вдовой Екатерины Прохоровны учились на казенный счет).
В 1895 году Б. М. Кустодиев уезжает в Петербург и поступает в Академию художеств. Очень скоро юноша был замечен И. Е. Репиным, который предлагает ему все же в качестве соавтора, нежели помощника, работать над масштабной картиной Заседание Государственного совета. Студентом пишет портреты известных деятелей культуры. Портрет художника Ивана Яковлевича Билибина (1901) и Портрет профессора гравирования Василия Васильевича Матэ (1902) приносят Б. М. Кустодиеву широкую известность. Окончив в 1904 году Академию, художник уезжает в пенсионерскую поездку, побывает во Франции и Испании. До окончания срока командировки возвращается в Россию, где продолжается его интенсивная жизнь в русском искусстве: портреты, широкие народные гуляния и просто быт, русские красавицы, иллюстрирование книг, борьба с болезнью и снова живописные полотна, рисунки, иллюстрации, оформление спектаклей.
1827 - 1905
Россия часто
становилась второй и, если можно так сказать, главной родиной для многих
иностранцев. При этом имели место как массовые переселения в Россию (например,
немцев при Екатерине II), так и индивидуальные приемы российского гражданства,
столь характерные для иностранцев, имеющих отношение к науке, искусству, технике
(ну чем не перекачка мозгов?).
Именно таким гражданином России, приняв ее гражданство, стал сын неаполетанского вице-консула Лагорио, теперь уже Лев Феликсович. И если учесть, что с художественным талантом он родился в Феодосии, то совсем неудивительно, что стал художником-пейзажистом, художником-маринистом, хотя с удовольствием писал и портреты известных людей. Естественно, вначале Л. Ф. Лагорио окончил Академию художеств, в которой учился с 1843 по 1850 год у известных преподавателей живописи М. Н. Воробьева и Б. П. Виллевальде. Приняв в 1852 году российское гражданство, отправился после окончания Академии в пенсионерскую поездку в Европу. Жил и писал во Франции, Италии, Швейцарии и Голландии. Представив созданные полотна-«отчеты» за свое пенсионерство, Л. Ф. Лагорио стал профессором Академии художеств. Из своего постоянного места жительства — Петербурга — совершает многочисленные путешествия в южные районы России, в Финляндию, Норвегию, Турцию.
Любимой темой Льва Лагорио было морское побережье, сочетавшее различные состояния моря и участка берега, примыкающего к морю. Как и многие русские художники, участвовал в качестве корреспондента в Русско-турецкой войне 1877 - 1878 годов. Свои впечатления выразил в полотнах, запечатлевших эпизоды этого трагико-драматического для любого художника события.
Ближе к концу жизни (1900) Л. Ф. Лагорио был избран почетным членом Академии художеств — своеобразный знак достойного вклада в русскую живопись.
1852 - 1916 г
Свое видение отечественной истории запечатлел Клавдий Васильевич Лебедев в бытовых исторических картинах, которые он писал в течение всей жизни: Выход боярышни из церкви (1881), Смерть царя Федора Алексеевича (1897), В приказной избе (1899), К боярину с наветом (1904), Шут и гусляр (1910). Получив художественное образование в Строгановском училище и Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) (1875 - 1881), К. В. Лебедев добился своими трудом и талантом и известности у любителей живописи, и официального признания. Он академик Академии художеств, преподавал в МУЖВЗ, с 1894 — профессор натурного класса Академии художеств. К. В. Лебедев — член Товарищества передвижных художественных выставок и постоянный участник экспозиций этого сообщества художников. В значительной степени членство в товариществе «заставило» обратиться художника к жанровым сценам: К сыну (1894), Приятели (1907).
Наконец, известен К. В. Лебедев и как иллюстратор оригинального издания 1902 года Царская и императорская охота на Руси. Конец XVII и XVIII век. Исторический очерк Н. Кутепова.
Словом, сработал художник в искусстве в полном соответствии с данным ему талантом — честь ему и хвала за это.
1860 - 1900 г
С творчеством наших великих живописцев мы знакомимся, как
правило, в раннем детстве. Будь то репродукции картин, висящие на стенах детских
садов и школ, или уменьшенные их варианты в учебниках младших классов. Одним из
наиболее узнаваемых среди наших замечательных художников является Исаак Ильич
Левитан. Ибо картины природы, тем более сотворенные мастером, любы при всех
режимах и властях. Работы И. И. Левитана вызывают у нас щемящее чувство очень
близкого, родного, но одновременно из-за нашей быстро проносящейся в делах и
заботах жизни чего-то ускользающего, безвозвратно уходящего. Действительно, где
найти время и возможность, чтобы, отбросив на время суету, насладиться на натуре
Вечерним звоном (1892), Тихой обителью (1890), Свежим ветром
(1895), Золотой осенью (1895) или поразмышлять Над вечным покоем
(1894), У омута (1892) или пройтись по Владимирке (1892)? И эту
красоту, душевность и тихость русской природы передал художник.
Учился И. И. Левитан в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у замечательных художников и педагогов А. К. Саврасова, В. Г. Перова и В. Д. Поленова (1873 - 1885). Причем годы учебы совпали с ранней смертью родителей и полуголодной жизнью будущего великого пейзажиста. К окончанию училища И. И. Левитан — известный пейзажист, участник экспозиций Товарищества передвижных художественных выставок. Его картины охотно покупает П. М. Третьяков. Далее — пятнадцать лет напряженной творческой жизни, всероссийское и европейское признание. И бессмертие его проникновенных русских пейзажей, бессмертие самого художника.
1735 - 1822 г
Среди первых художников XVIII века, названного в
российском искусстве веком портрета, Дмитрий Григорьевич Левицкий занимает
почетное место. Его парадные и камерные изображения императрицы Екатерины II, ее
вельмож, известных в России людей, близких художника, воспитанниц Смольного
института благородных девиц способствовали европейскому признанию стремительно
развивающейся русской живописи. По мастерству исполнения они едва ли уступали
шедеврам западноевропейских портретистов того времени.
Родившийся в семье священника Д. Г. Левицкий с детства познакомился, как мы бы сейчас сказали, с хобби отца, который успешно совмещал свою проповедническую деятельность с занятием гравюрой — украшением рисунками церковных книг.
Судьба благоприятствовала юному Д. Г. Левицкому. Он стал (до создания Императорской Академии художеств оставалось около десятка лет) учеником приехавшего в Киев для росписи Андреевского собора известного живописца А. П. Антропова, в «команде» которого будущий портретист проработал изрядное время. Фактическим годом рождения Д. Г. Левицкого в большой живописи стал 1770 год, когда на выставке уже действовавшей Академии художеств были представлены его первые портреты. Успех был столь впечатляющий, что художник получает звание академика и приглашение возглавить портретный класс Академии. Начались годы его творческих успехов и признания. Однако Д. Г. Левицкий не замыкается лишь в кругу живописных проблем. Среди его друзей — передовые люди России (портреты некоторых из них, например, писателей Н. И. Новикова, Н. А. Львова, А. В. Храповицкого — гордость русской живописи XVIII века).
Девятнадцатый век не был столь благосклонен к Д. Г. Левицкому, хотя после значительного перерыва он, в 1807 году, снова становится советником Академии художеств. Годы, болезни, слепота оставили его высшие достижения в веке XVIII.
1737 - 1773 г
Удивителен
все-таки талант человеческий — способность совершать работу высокого качества в
определенной области человеческой деятельности.
Не сломайся голос у юного украинского хлопчика, посланного после смерти родителей в придворный певческий хор в Петербурге, возможно, не было бы одного из зачинателей русской исторической живописи Антона Павловича Лосенко.
Следует перевод молодого А. П. Лосенко из хора в ученики к известному живописцу И. П. Аргунову. Годы пребывания в мастерской художника стали хорошей школой для А. П. Лосенко, которая сказалась вскоре, когда через год после образования Академии художеств он становится ее воспитанником (1758). Подготовка была столь основательной, что А. П. Лосенко становится скорее помощником преподавателей, нежели студентом. Да и талант юноши не заметить просто нельзя, поэтому уже в 1760 году А. П. Лосенко отправляют во Францию для совершенствования мастерства. А через два года в студии французского живописца Ж. Рету появляется первое значительное полотно А. П. Лосенко — Чудесный улов, в котором художник изображает рыбаков и Христа, способствовавшего отменному улову. Далее следует стажировка в Италии, копии Рафаэля, качественные этюды и картины состоявшегося художника.
В России А. П. Лосенко предлагают написать картину на звание академика. Владимир и Рогнеда (1770) стала первым известным полотном на сюжет русской истории (новгородский князь Владимир, не добившись согласия полоцкого князя Рогвольда на брак с его дочерью, с помощью военной силы осуществляет свое желание).
Талант и высокие человеческие качества способствовали тому, что после написания имевшей успех картины А. П. Лосенко становится не только академиком, но и профессором и директором Академии художеств. Он полностью отдает себя многогранной деятельности. Однако организм художника больших нагрузок долго перенести не смог. В возрасте тридцати шести лет А. П. Лосенко умирает. Его последняя картина Прощание Гектора с Андромахой, его чудесные портреты современников (особенно хорош Портрет актера Федора Григорьевича Волкова), кроме восхищения, вызывают и чувство сожаления о преждевременном уходе великого таланта.
1822 - 1897 г
В
живопись Иван Кузьмич Макаров
пришел по складывающейся семейной традиции. Его отец окончил когда-то знаменитую
Арзамасскую школу Ступина и работал учителем рисования в те времена в уездном
городе Саранске Пензенской губернии. Затем он организовал собственную
рисовальную школу сначала в Саранске, а затем в самой Пензе. Именно под
руководством своего отца юный И. К. Макаров добился первых успехов в
изобразительном искусстве. В 1845 году он поступает в Академию художеств, где
занимается под руководством известного педагога А. Т. Маркова. В 1853 году на
средства Общества поощрения художеств и с помощью великой княгини Марии
Николаевны И. К. Макаров едет за границу, где основное время проводит в Риме.
Художник пишет много исполненных достоинств портретов, среди которых особенно
выделяются своей грациозностью женские и детские. За серию работ этого жанра по
возвращении в Петербург (1855) И. К. Макаров получает звание академика. Среди
его работ, выполненных по частным заказам, много икон и церковных образов.
Именно поэтому его учитель по Академии А. Т. Марков пригласил художника
участвовать в росписях московского храма Христа Спасителя. В 1885 году большой
отклик в художественных и церковных кругах вызвал написанный И. К. Макаровым
Нерукотворный образ Спасителя. Иконотворчество, требующее особого настроя и
сосредоточенности, видимо, сказалось и на взглядах художника на известность и
публичную деятельность художника: в последние десятилетия своей жизни он
практически нигде не выставлялся и не принимал участия в ежегодных академических
выставках.
1846 - 1920 г
Один из организаторов Московского училища живописи и
ваяния (МУЖВ) Егор Иванович Маковский многое делал для того, чтобы его трое
сыновей и дочь полюбили изобразительное искусство. Можно утверждать, что все
дети Е. И. Маковского внесли заметный вклад в русское искусство.
Владимир Егорович Маковский прославился как замечательный жанрист и видный деятель Товарищества передвижных художественных выставок. Получив солидное художественное образование в МУЖВЗ (1861 - 1866), Владимир повторяет путь своего старшего брата Константина и поступает в Петербурге в Академию художеств. Уже в 1869 году он выпускается из Академии с золотой медалью и званием классного художника первой степени. Начинается самостоятельная творческая жизнь В. Е. Маковского, которая окажется исключительно целостной. Более пятисот написанных им картин посвящены, за редким исключением, сценам из жизни окружающих художника людей. Иногда в полотнах присутствует резкое обличение общественного порока, но чаще в них содержится легкая ирония над происходящим или даже добрая усмешка.
Наверное, художник не полностью реализовался в портретном жанре: его портреты И. М. Прянишникова, И. С. Цветкова, автопортрет, написанный в 1905 году, свидетельствуют о высоком потенциале В. Е. Маковского в этом виде живописного искусства. Привлекательный, пользовавшийся большим авторитетом у коллег Владимир Егорович Маковский — художник, исключительно плодотворно поработавший во славу русской живописи.
1839 - 1915 г
Творческое
наследие Константина Егоровича Маковского
уникально и велико. Его
талант и мастерство подобны его энергии — огромны и широки. Однако восторгам по
поводу его творчества всегда сопутствовало, скажем, сожаление о том, что внешняя
красота и высокое мастерство его творений не подкреплены глубиной замысла и
внутренней работой мысли.
Наверное, справедливо. И что за причина тому — детство, быстрый успех, натура художника?
К. Е. Маковский, как и его два брата и сестра, росли в среде, наполненной любовью к изобразительному искусству. Его отец и сам рисовал, собирал картины, много сделал для открытия в Москве Училища живописи и ваяния (МУЖВ). В доме Маковских постоянно присутствовали многие художественные светила того времени. Константин начал свой путь в живопись именно с МУЖВ, где проучился с 1851 по 1857 год. В 1858 году он уезжает в Петербург и поступает в Академию художеств, где достаточно быстро подтверждает свою одаренность. На академической выставке 1863 года всеобщее внимание привлекает Портрет графа П. П. Муравьева-Амурского кисти молодого К. Е. Маковского. С этого времени начинается «триумфальное шествие» живописца по России, Европе, миру Формально не окончив Академию из-за участия в «Бунте четырнадцати», К. Е. Маковский уже в 1867 году получает звание академика, а в 1869 — профессора Академии. Он богат, известен, его студию в Петербурге осаждают сотни желающих иметь портрет, написанный К. Е. Маковским. Художник — участник международных выставок, его картины охотно покупают в США и Англию. Но художник и сам хорошо знал, что недорабатывает: «Я не зарыл своего, богом данного, таланта в землю, но и не использовал его в той мере, в какой мог бы. Я слишком любил жизнь, и это мешало мне всецело отдаться искусству».
Кто же бросит упрек художнику после его искренних слов о себе?
1844 - 1911 г
Кто же, как
не сын крестьянский, рано потерявший родителей, смог бы описать жизнь и нравы
деревенской жизни, ее боли и проблемы. Естественно, что к знаниям и опыту
необходим талант. Всем этим и владел Василий Максимович Максимов, который после
окончания иконописной мастерской и обучения в Академии художеств (1863 - 1866)
посвятил себя крестьянской теме. Свое кредо он изложил после отказа в Академии
от выпускного конкурса на большую золотую медаль и потенциальную поездку за
границу: «Мои убеждения меня заставляют не идти на конкурс. Я против заграничной
поездки, потому что хочу изучать сначала Россию и бедную русскую деревню,
которую у нас никто не знает, не знает деревенской нужды и горя».
Его работы Бабушкины сказки (1867), Сборы на гулянье (1869), Приход колдуна на крестьянскую свадьбу (1875), Семейный раздел (1876), Больной муж (1881) — лишь небольшая часть из выполненного художником по своей главной теме.
Естественно, что В. М. Максимов — один из наиболее стойких и последовательных членов Товарищества передвижных художественных выставок. Его картины — желанные цели для собрания П. М. Третьякова. Не обойден художник и официальным признанием — в 1878 году ему присваивают звание академика.
Картина Все в прошлом (настолько популярная с момента написания, что В. М. Максимов по просьбам и заказам неоднократно повторял ее) стоит в стороне от основного творческого направления художника. Но она чрезвычайно важна и для понимания последующей судьбы живописца, ибо к изменениям жизни в стране и в искусстве В. М. Максимов не приспособился (да, видимо, и не мог приспособиться).
Он умер, истощенный нуждой, болезнями, отсутствием заказов. Как умирали некоторые герои его полотен.
В них и остался для русского искусства наш замечательный, с обостренным отношением к жизни живописец.
1834 - 1902 г
Автор многочисленных самобытных пейзажей Арсений Иванович Мещерский родился в
Вышневолоцком уезде Тверской губернии. Двадцатилетним юношей поступил в Академию
художеств, где проучился три года под руководством Ф. А. Бруни, С. М. Воробьева,
Т. А. Неффа. Чем-то не понравилось молодому художнику обучение в Академии —
после трех лет пребывания в ней и получения за свою работу первой серебряной
медали он за свой счет уезжает в Швейцарию, где становится учеником известного
пейзажиста Калама. Влияние учителя на ученика было несомненным, но именно оно
позволило А. И. Мещерскому выработать свой стиль в пейзаже. В 1859 году художник
присылает на суд Совета Академии конкурсную работу Швейцарский вид, за
которую получает золотую медаль и право пребывания за границей за казенный счет.
Помимо Швейцарии, он побывал во время командировок и в отечественном Крыму. Его
пейзажи Швейцарии и Крыма пользовались большим успехом на академических
выставках. Официальное признание также не заставило себя ждать. В 1864 году А.
И. Мещерский получил звание академика, а в 1876 — звание профессора пейзажной
живописи. На холстах А. И. Мещерского запечатлены виды Крыма и Кавказа,
Малороссии и окрестностей Петербурга. Зима и лесные чащи — любимые мотивы в
творчестве художника.
1812 - 1874 г
Федор Антонович (Отто Фридрих) Моллер был в свое время
весьма известным живописцем. Сын военного моряка высокого ранга (позднее
морского министра) Ф. А. Моллер и сам готовился к военно-морской карьере.
Воспитанник Морского кадетского корпуса уже в 1826 году был произведен в
офицеры. Однако пробудившийся интерес к живописи и несомненный талант молодого
морского офицера «заставляют» его посещать Академию художеств, где он в скором
времени становится одним из любимых учеников К. П. Брюллова. После окончания
Академии Ф. А. Моллер едет по собственной инициативе в Италию (1838) для
совершенствования своего художественного мастерства. Уже в 1840 году за
присланную в Петербург картину Поцелуй художник получает звание
академика. В Италии ведет исключительно насыщенную творчеством жизнь. Среди его
близких знакомых — Ф. А. Бруни, А. А. Иванов и Н. В. Гоголь, с которым художник
был особенно дружен и несколько портретов которого он написал. Помимо портретов,
Ф. А. Моллер в соответствии с академическими канонами писал полотна на
библейские и исторические сюжеты. За картину Апостол Иоанн Богослов,
проповедующий на острове Патмос во время вакханалий (1856) художнику
присвоили звание профессора исторической живописи.
В Петербурге он занимается преподаванием, руководит деятельностью пенсионеров Общества поощрения художников и выполняет ответственнейшие заказы для Большого Кремлевского дворца в Москве (серия картин, посвященная Александру Невскому), Исаакиевского собора в Петербурге (Несение креста). Скоротечное воспаление легких прервало работу Ф. А. Моллера над своей последней картиной — Распятие Христа. Рожденный немцем Отто Фридрихом, русский художник Федор Антонович Моллер не затерялся в щедрой на таланты отечественной культуре середины XIX века.
1835 - 1904 г
Странно, но Александра Ивановича Морозова такие крупные
живописцы, как А. Н. Бенуа и И. Э. Грабарь, знатоки искусства и художественные
критики, называли «запоздалым венециановцем». Не потому, что «венециановцем», а
потому, что «запоздалым», ибо идиллический мир А. Г. Венецианова и его
сподвижников, с внутренней теплотой и внешним очарованием их картин, имеет
полное право на появление и во второй половине XIX века, и в многоликом веке XX,
и в наши дни.
Свое окончание Академии художеств Александр Морозов отметил участием в «Бунте четырнадцати», отказавшись вместе с И. Н. Крамским и другими двенадцатью выпускниками работать над дипломной картиной по заданной сверху теме. Далее учреждение петербургской Артели художников. Однако членом естественного преемника Артели — Товарищества передвижных художественных выставок — А. И. Морозов не стал. Впрочем, подготовка молодого художника была настолько хороша, что через год после выхода из Академии он создает едва ли не лучшее свое полотно — представленный здесь Выход из церкви в Пскове. Жанровая по теме, многофигурная по построению, с чудесной передачей интенсивного солнечного света картина вызвала исключительно доброжелательное отношение и критики, и зрителей. Картину для своей коллекции приобрел П. М. Третьяков, что являлось особым знаком качества живописных полотен.
К сожалению, А. И. Морозов написал совсем немного своих замечательных картин. Необходимость иметь постоянный заработок обязывала его заниматься работой преподавателя рисования в далеко не художественных училищах, давать частные уроки, писать по заказу портреты и иконы, заведомо невысокого художественного уровня. Так и вошел А. И. Морозов в историю русской живописи автором небольшого числа картин, высокий уровень исполнения которых делает их желанными экспонатами многих отечественных музеев.
1834 - 1911 г
Кому как не наблюдательному сыну мелкопоместного дворянина
из Тульской губернии не знать быта крестьян — многие из них ведь сами вели
жизнь, мало отличавшуюся от крестьянской. Видимо, знание этой жизни, сострадание
к ней, впечатления от нее так запали в душу молодого художника Григория
Григорьевича Мясоедова, что он даже после обучения в Академии художеств (1853 -
1862) и пенсионерской поездки по многим странам Европы (1863 - 1869) в своем
последующем творчестве много внимания уделил крестьянской теме: Земство
обедает (1872), Чтение манифеста 19 февраля 1861 года (1873),
Опахивание (1876), Дорога во ржи (1881), Косцы (1887).
Вообще же Г. Г. Мясоедов был художником широкого тематического диапазона и активным общественным деятелем. Он писал полотна на исторические темы — от полотна Бегство Григория Отрепьева (1862) до ряда картин, посвященных обороне Севастополя во время Крымской войны. Был известным пейзажистом — те же Косцы, Дорога во ржи и Зреющие нивы (1892), пейзажи Крыма и юга Украины. Наконец, писал портреты и многофигурные композиции с портретной проработкой многих известных в России личностей.
Наверное, после знакомства с проблемой реализации своих произведений западноевропейскими художниками во время своей пенсионерской поездки Г. Г. Мясоедову пришла мысль о создании Товарищества передвижных художественных выставок. Именно он был автором первого устава и членом первого правления этого объединения.
Творчество Г. Г. Мясоедова получило высокое официальное признание: он академик живописи с 1870 года, действительный член Академии художеств с 1884 года, работал преподавателем в Академии (1893 - 1902).
Его авторитет настолько высок, что он приглашается в Комиссию по переработке устава Академии художеств. В нашем же представлении он остается крестьянским защитником и певцом крестьянского труда. А это актуально и сегодня, ибо земство продолжает обедать и в наше время.
1830 - 1904 г
Есть
Отнюдь не революционный сюжет. На лицах двух главных персонажей — продавца и покупателя — нет «радищевских» следов преступлений. Идет спокойное обсуждение сделки. Сделки о продаже человека. Возможно, показ этого будничного (или рутинного) для тех времен события и есть вершина гениальности обличения российского зла. Н. В. Неврев показывает продавца, имеющего интерес к литературе, живописи и даже к свободолюбивым идеям (на стене можно рассмотреть гравюру с изображением известного деятеля французской буржуазной революции Мирабо).
Картина получила широкое общественное звучание. И хотя власти все сделали для того, чтобы она не попала на Международную художественную выставку, российская общественность в лице Общества любителей художеств наградила Торг Н. В. Неврева первой премией. Очень скоро она попала и к П. М. Третьякову, приобретя тем самым еще большую известность и популярность.
Рожденный в московской купеческой семье Николай Неврев лишь в двадцать один год поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. По отзывам современников, после ухода из училища Н. В. Неврев рисует много портретов, неброских по колориту, но отличающихся правдивостью и элементами психологизма. Известно, что в 1859 году он получает звание классного художника. В 1866 году написан Торг, пишутся Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах многолетие (1866) и Воспитанница (1867). В Протодиаконе хорошее знание купеческого быта позволило художнику создать яркую, реалистическую картину с большими вкраплениями сатиры и юмора (а этим реальная жизнь и отличается от конструкций). Картина Воспитанница выполнена явно в минорном ключе — описанная ситуация иного не позволяла.
В последующие годы художник имел постоянные заказы на портреты, исторические и бытовые картины, хотя свое главное предназначение перед обществом и искусством Н. В. Неврев выполнил в шестидесятые годы XIX века.
1862 - 1942 г
Среди славных имен русских художников есть большое число
мастеров, пользующихся особой, безусловной любовью. Пример тому являет Михаил
Васильевич Нестеров, жизнь и творчество которого вызывает особое уважение,
наверное, всех любителей живописи. В большой степени это определяется главной
темой его творчества — изображением Святой Руси с ее неброскими трудами
преподобного Сергия и ему подобных подвижников. Хотя не меньшая признательность
выпадает и на женские портреты художника (например, портреты его дочерей), и на
портретную серию последнего десятилетия жизни живописца.
Учился М. В. Нестеров у замечательных мастеров и педагогов — у В. Г. Перова, И. М. Прянишникова и А. К. Саврасова в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и у П. П. Чистякова в Академии художеств.
Самостоятельное творчество Михаила Нестерова начинается с писания божьих людей, их аскетического и полного согласия с природой бытия. Потому последняя играет равную с персонажами роль, делая картины на редкость согласованными и умиротворенными.
Естественным для М. В. Нестерова было участие в росписях известных строившихся соборов и церквей: Владимирского собора в Киеве, храма Воскресения Христова в Петербурге, церкви Александра Невского в Грузии, Марфо-Мариинской обители в Москве. В полном соответствии со своим душевным настроем он должен был входить и входил в Товарищество передвижников. Точно также в 1903 году М. В. Нестеров стал одним из учредителей Союза русских художников — объединения, ставившего своей главной целью распространение произведений русского искусства. Возможно, за его преданное служение отечественному искусству ему отозвалось: он творил, не изменяя себе, до восьмидесяти лет, не дожив до земного торжества духа русского человека — разгрома захватчиков на родной земле.
1805 - 1876 г
Свой высшие официальные
Поездки в Италию закрепили приверженность Т. А. Неффа к канонам классицизма, что делало его работы для ценителей прекрасного исключительно привлекательными. (Разве не вызывают восхищения изображения молодых женщин на полотнах художника?) А среди поклонников таланта Неффа были и члены императорской семьи. Потому и присутствуют на портретах живописца великие княгини Мария Николаевна и Ольга Николаевна. Близость к царской фамилии имела для художника благоприятное обстоятельство, способствовавшее его карьерному росту. С 1864 года Т. А. Нефф, после десятилетнего преподавания в Академии, становится хранителем картинной галереи Эрмитажа. Он по-прежнему много работает. Его живописное мастерство знакомо не только россиянам. Оно приносит европейское признание живописцу. Его избирают членом Флорентийской Академии художеств.
С главными же произведениями Т. А. Неффа в наше время можно познакомиться в ведущих музеях отечественной живописи — в Русском музее и Третьяковской галерее, где они достойно представляют русское искусство середины XIX века.
около 1680 - не ранее 1742 г
Бурная деятельность Петра I по преобразованию
Именно его представлял иностранцам Петр I, «дабы знали, что есть и из нашего народа добрые мастера». Именно Петр в 1716 году послал Ивана Никитина и его брата Романа совершенствовать мастерство в Италию. После четырех лет пребывания в Венеции и Флоренции И. Н. Никитин — живописец европейского уровня.
Его портреты, написанные в 1720-х годах (Портрет канцлера Г. И. Головкина, Портрет Петра I, Портрет напольного гетмана), достигают высшего мастерства и зрелости. Они реалистичны, выразительны и являются одними из лучших в русской живописи
XVIII века.И. Н. Никитин был человеком независимым, смело отстаивавшим свои взгляды перед сильными мира сего. Эта ли или иная причина привели к тому, что во время царствования Анны Иоанновны художник попал в немилость, был арестован, пять лет пробыл в Петропавловской крепости, после которой его сослали в Тобольск. Милостью императрицы Елизаветы Петровны он был прощен, выехал в Москву и где-то в пути умер.
Иван Никитин не написал в соответствии с отпущенным ему талантом. Однако он сделал большее: был одним из первых в ряду художников явившейся миру новой русской живописи.
1812 - 1863 г
Среди отечественных живописцев середины XIX века было
немало художников, не обделенных ни талантом, ни трудоспособностью, ни
склонностью к добропорядочной жизни. И их картины, несущие несомненные
мастерство, красоту, притягательность, вызывали у современников одобрение и
любовь. Но проходило какое-то время, память о художниках заметно ослабевала,
популярность их полотен заметно снижалась. Видимо, в своем творчестве живописцы
не переходили размытую грань, отделяющую большой талант от таланта, мастерство с
искрой божьей от мастерства без нее. К числу названных художников относится и
Пимен Никитич Орлов, ученик К. П. Брюлова в Академии художеств (1834 - 1837),
куда он поступил после бедных детства и юности, когда он, покинув родительский
дом, зарабатывал средства на жизнь писанием образов и портретов помещиков
Воронежской губернии.
Большую часть жизни после Академии Пимен Орлов провел в Италии, куда он при содействии Общества поощрения художников отправился в 1841 году. Там быстро завоевал известность благодаря своим многочисленным картинам, выполненным в итальянском варианте бытового классицизма с его преувеличенной красотой в изображении персонажей и обстановки. Картины пользовались большим спросом и на родине, поэтому художник щепетильно относился к тому, чтобы они вовремя доставлялись в Петербург. Находят свое место в художественных галереях или частных коллекциях популярные портреты П. Н. Орлова. С 1857 года художник — академик. С его картинами можно познакомиться в главных музеях страны, а это верное свидетельство того, что память о П. Н. Орлове жива и его имя — среди видных представителей замечательной русской живописи XIX века.
1842 - 1914 г
Известный пейзажист Владимир Донатович Орловский родился в Киеве, где в городской гимназии получил первые уроки рисования. Во время учебы в Академии художеств (1861 - 1868) молодой В. Д. Орловский побывал во многих местах европейской части России: в Крыму, Киевской и Таврической губерниях, Москве, Финляндии. За этюды и ученические работы академист получил две серебряных и малую золотую медали. На конкурсную программу выпускник Академии представил три крымских пейзажа, принесших ему большую золотую медаль, звание классного художника первой степени и трехлетнюю командировку в Европу. Художник изучал музеи и писал во Франции, Швейцарии, Италии.
По возвращении из-за границы много работает, путешествует по России, привозя из поездок зарисовки, этюды, картины. С 1874 года В. Д. Орловский — академик, а с 1878 — профессор пейзажной живописи и член совета Академии художеств. Его полотна с видами окрестностей Петербурга, Малороссии, средней полосы России и Северного Кавказа — желанные гости на отечественных и международных выставках. Много внимания В. Д. Орловский уделял развитию изобразительного искусства в стране. Особое участие — в становлении художественного образования в Киеве. Его творения представлены в наши дни во многих музеях, являя любителям живописи высокие образцы русского пейзажа второй половины XIX века.
1834 - 1882 г
Появление широкого течения критического реализ
Будущий художник Перов был побочным сыном тобольского прокурора Г. К. Криндера. Свою ставшую общественной фамилию он получил от прозвища, которым наградил его в детстве сельский дьячок за каллиграфический почерк. В 1853 году В. Г. Перов поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, по прохождении основного курса которого он был отправлен в Академию художеств для участия в конкурсе на большую золотую медаль.
Из своей пенсионерской поездки в Париж В. Г. Перов возвращается раньше срока ее окончания — он может работать только на родине. Страдание и горе народные — главные темы его работ в 1860-е годы: Сельский крестный ход на Пасхе (1861), Проводы покойника (1865), «Тройка» (1866), Последний кабак у заставы (1868).
Конец 1860 — начало 1870-х являют новый этап в творчестве В. Г. Перова. В своих жанровых картинах он постепенно отходит от критического начала, переходя к чисто бытовым сценам из жизни соотечественников. В это время им создаются Учитель рисования (1867), Птицелов (1870), Рыболов (1871), Охотники на привале (1871). Тогда же расцветает дар В. Г. Перова как портретиста: портреты А. Н. Островского (1871), В. И. Даля (1872), М. П. Погодина (1872), Ф. М. Достоевского (1872) приносят художнику заслуженный успех.
После 1875 года В. Г. Перов пишет, главным образом, картины на исторические и библейские темы. Всего за двадцать с небольшим лет живописец создал более 200 полотен, множество рисунков и акварелей.
Замечательный живописец В. Г. Перов оказался превосходным педагогом и интересным автором художественных зарисовок. Среди его учеников цвет русской живописи конца XIX — начала XX века: А. Е. Архипов, Н. А. Касаткин, К. А. Коровин, М. В. Нестеров, А. П. Рябушкин.
«Постоянное стремление к жизненной правде, полная мучительных сомнений, трудная внутренняя ломка, иногда тяжелое разочарование не покидало Перова до последнего времени. В этом заключается тайна обаяния, которое имел он», — написал о В. Г. Перове современник.
1878 - 1939 г
Одна
А начал свой путь художник в иконописной мастерской, продолжил в классе рисования самарского учителя Ф. Е. Бурова, в Петербурге (с 1895) посещал училище Штиглица и в 1897 году перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, которое окончил в 1905 году по мастерской В. А. Серова. Далее следует поездка в Европу, где Петров-Водкин знакомится и с современным искусством, и с работами старых мастеров. Побывает художник в Греции и Алжире, что даст ему новые впечатления, которые воплотятся в многочисленные этюды.
Вернувшись в Россию, К. С. Петров-Водкин полностью отдается творчеству. Одна за другой появляются его картины, в которых за внешним влиянием различных художников и течений можно различить рождение самобытного русского художника. Широкую известность приносит ему картина Купание красного коня (1912). Далее следуют картины, поэтизирующие образ матери, русской женщины. В них как бы сосредотачиваются традиции русской иконописи, живопись мастеров Возрождения, образы крестьянок Венецианова. И при этом они — произведения состоявшегося художника — Петрова-Водкина. Впереди будет много полотен. Среди них такие этапные, как Смерть комиссара (1928), 1919 год. Тревога (1934).
Все творчество К. С. Петрова-Водкина — явление в русской живописи XX века. Художник призывал своих учеников: «Не учить, не развлекать вы должны, а светить». Именно это К. С. Петров-Водкин доказывал всем своим искусством.
1844 - 1927 г
Кто ж из
россиян не знает Московский дворик замечаем тельного отечественного
живописца Василия Дмитриевича Поленова? Причины, по которым творчество
очаровывает зрителя, сконцентрированы в данном полотне. Казалось бы, «Москва...
как много в этом звуке...» и скромный, если не сказать заурядный, уголок ее на
холсте. Не в этом ли обаяние, исходящее от картины? В этом тоже, но и в тишине и
покое, поэзии и красоте, заполняющих полотно, в теплоте и оптимизме, которые
излучает данное творение художника.
Наконец, привлекательность Дворика, других произведений в необыкновенной притягательности личности самого автора — В. Д. Поленова, человека больших знаний, высокой нравственности, настоящего патриота России. Он учился параллельно в Академии художеств и Петербургском университете. В 1871 году получил диплом юриста и большую золотую медаль в Академии за картину Воскрешение дочери Иаира. Далее пенсионерская поездка по странам Европы, звание академика за картины, написанные в этой командировке, и удивительное по широте и глубине творчество. Помимо тонких лирических пейзажей (Бабушкин сад, 1878; Заросший пруд, 1879; Ранний снег, 1891; Золотая осень, 1893), В. Д. Поленов пишет Христос и грешница (1882) и цикл картин Из жизни Христа (1899 - 1909). Он с успехом выступал как театральный художник, был одним из любимых преподавателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества (среди его учеников — К. А. Коровин, И. И. Левитан, А. Я. Головин, Л. О. Пастернак, А. Е. Архипов). В 1876 году В. Д. Поленов отправляется добровольцем в Сербию и Черногорию, был награжден орденом и медалью этих стран.
Творческое кредо художника просто: «Надо помочь народу удовлетворить высокие потребности человека — потребности духа. И вот искусство, по нашему глубокому убеждению, есть одно из самых могучих для этого средств».
Удовлетворить потребности человеческого духа — важнее действительно нет ничего в мире.
1840 - 1894 г
Одним из
наиболее последовательных членов Товарищества передвижных художественных
выставок был Илларион Михайлович Прянишников. Его картины были созвучны главной
идее передвижничества в жанровой живописи — создавать произведения, которые
отражали бы проблемы, волнующие российское общество.
В годы обучения в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1856 - 1865) молодой И. М. Прянишников получает серебряные медали за мастерски написанные бытовые сцены: Мальчик-коробейник (1864), Чтение письма в мелочной лавке (1864), Шутники. Гостиный двор в Москве (1865). При этом в последней отражено чувство большого сострадания к «маленькому» человеку, и картина принесла художнику известность , в демократических кругах. Уже в первых работах И. М. Прянишникова проявился стиль, характерный для всего последующего творчества художника. Его картины точно передают натуру и социальный тип изображенных, выполнены в сочной цветовой гамме.
Следующей этапной картиной Прянишникова следует назвать Порожняки, изображающей молодого человека (возможно, студента), готового преодолеть физические невзгоды на пути к благородной цели — служению народу.
Полотно Эпизод из войны 1812 года (1874) можно отнести к историческому жанру, но и здесь художник остается верен себе: крестьянин с рогатиной и крестьянка с вилами у И. М. Прянишникова — истинные герои войны с французами. В середине 1870-х Прянишников участвует в работе над росписями храма Христа Спасителя в Москве. Он являлся преподавателем (1873 - 1894) в Училище живописи, ваяния и зодчества. Вся его жизнь и творчество — пример верности установленному в молодости нравственному кредо.
1844 - 1930
Несомненно,
что крупнейшим рус
Получив первые уроки живописи в своем родном Чугуеве и поработав какое-то время в иконописных артелях, Илья Репин поступает в 1864 году в Академию художеств, которую оканчивает в 1871 году с естественной для его дара золотой медалью (дипломная работа Воскрешение дочери Наира — уже работа большого мастера). Последующая жизнь И. Е. Репина — активнейшая творческая работа живописца, путешествия профессионала с пытливым отношением к мастерству великих предшественников и к новейшим художественным увлечениям. В нем пробуждается талант публициста. Его суждения достаточно ярки и искренни, чтобы не меняться со временем. Его постоянные спутники по творчеству — великие реалисты Веласкес и Рембрандт, для него красота живописи вся в правде.
Своими работами на многочисленных выставках в Европе и Америке И. Е. Репин открывал иностранцам неповторимое искусство русского реализма. Последние годы жизни великий живописец жил в Финляндии на границе со своей родиной.
1874 - 1947 г
Наш
замечательный соотечественник Николай
В Академии художеств Николай Рерих работал в мастерской А. И. Куинджи (1893 - 1897), продолжил художественное образование в студии Ф. Кормона в Париже (1900 - 1901).
Первые же картины художника, посвященные славяно-русской истории, обращают внимание профессионалов и любителей живописи. Его образованность и интеллигентность способствуют тому, что он с 1898 года с должности помощника секретаря Общества поощрения художеств (ОПХ) поднимается в 1906 году до должности директора Рисовальной школы при ОПХ. Н. К. Рерих — активный член Союза русских художников, с 1910 по 1915 год — председатель объединения «Мир искусства». Вся эта официальная работа идет параллельно с писанием картин и оформлением спектаклей.
После 1917 года Н. К. Рерих — активный просветитель русского искусства на Западе. Его выставки популярны в Европе и Америке. В Нью-Йорке в 1923 год) создается музей его имени. Но у художника новое увлечение — Восток. Он организует семейные экспедиции по заповедным и малознакомым местам: Индия, Тибет, Монголия, Китай. В экспедициях он пишет картины. Его увлекает буддизм, в Индии среди его знакомых — М. Ганди, Дж. Неру, Р. Тагор. Его познания теперь уже по Востоку настолько велики и основательны, что, возможно, он один из первых русских получает от индийцев сверхавторитетное звание гуру (учитель). Его замыслы многочисленны и реальны. Одному из них — возвратиться на Родину — осуществиться не удалось. Перегруженное работой больное сердце не выдержало. Несколько сотен его произведений — скромный дар Н. К. Рериха любимой родине.
1735? - 1808
Портретный
ряд одного из лучших живописцев второй половины XVIII века Федора Степановича
Рокотова удивляет тем больше, чем дольше вглядываешься в написанные им лица
современных ему людей. Именно стремление показать внутренний мир, если хотите,
загадочность жизни и души, но никак не внешнюю привлекательность и дорогие
одежды изображаемых отличают творения живописца. Особенно это касается
пленительнейших женских образов (портреты А. П. Струйской, 1772; неизвестной в
розовом платье, 1770-е; В. Е. Новосильцевой, 1780; Е. В. Санти, 1785; В. Н.
Суровцевой, 1880-е; П. Н. Ланской, 1790-е; и др.). Не частый случай — некоторым
персонажам портретов Ф. С. Рокотова поэты последующих поколений посвящали свои
стихи. Вспомним Н. А. Заболоцкого:
...Ты помнишь, как из тьмы былого,
Едва закутана в атлас,
С портрета Рокотова снова
Смотрела Струйская на нас?
Ее глаза — как два тумана...
И удивительное дело. О первых годах жизни, художественном образовании и начале творческой деятельности великого портретиста известно совсем не много. Скудные данные говорят о том, что родился Ф. С. Рокотов в крепостной семье известных в России князей Репниных. Рано получил вольную (дань таланту?). Чуть ли не М. В. Ломоносов стал его «крестным отцом» в искусстве. После того как Федор Степанович стал известным живописцем, он имел многочисленные заказы — для их выполнения пришлось открывать собственную мастерскую. Академик с 1765 года. С 1767 года живет и пишет многочисленные портреты в Москве — именно она больше соответствовала внутреннему миру художника и способствовала созданию его бессмертных шедевров.
1856 - 1928 г
Изображение батальных сцен, тем более многофигурных, требует не только большого таланта художника, но и великого трудолюбия. Наличие этих качеств сделало сына французского коммерсанта Франца Рубо одним из известнейших российских художников-баталистов. Именно его имя мы вспоминаем, когда речь заходит о панораме Оборона Севастополя либо о панораме Бородинская битва.
Получив начальное художественное образование в Одесской рисовальной школе, Франц Рубо закончил его в Мюнхенской Академии художеств (1878 - 1883). Приверженность к изображению батальных сцен посылала его в многочисленные поездки по местам боев и сражений (Кавказ, Средняя Азия). Наибольший успех теперь уже к Францу Алексеевичу Рубо пришел после создания под его руководством двух названных выше панорам, прославивших героизм и стойкость русских воинов. В 1908 году Ф. А. Рубо получает звание академика, в 1910 избирается действительным членом Академии художеств. Живописец ведет большую преподавательскую работу — с 1903 по 1911 год
он возглавляет батальную мастерскую Академии художеств.После открытия панорамы Бородинская битва в Москве в 1912 году Ф. А. Рубо уезжает на время в Мюнхен, но остается там до конца жизни. Начавшаяся война в Европе, а затем и Гражданская война в России не позволили художнику возвратиться на свою историческую родину.
1861 - 1904 г
Вглядываясь в историко-бытовые картины Андрея Петровича Рябушкина, легко догадываешься, что художник имел отношение к иконописи — чувствуется его глубокое знание этого полуприкладного искусства дореволюционной России. Действительно, рожденный в семье крестьянина-иконописца Андрей Петрович пронес любовь и к жизни народной, и к ярким краскам, и к приемам изготовления икон через свое творчество. Русский быт, чаще быт уходящего боярского XVII века (именно это столетие часто входит в название известных работ художника), в его картинах таков, что остается только согласиться с художником — так и было.
Исключительно одаренный юноша (а об этом свидетельствует большое количество золотых и серебряных медалей, полученных им за годы обучения) постигал художественное мастерство вначале в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1875 - 1882) у В. Г. Перова, затем в Академии художеств (1882 - 1890) у П. П. Чистякова и В. П. Верещагина. Уже его первые студенческие картины — Ангел выводит апостола Петра из темницы (1889), Снятие с креста (1890), Исцеление хромого апостолом Петром (1890) — вызывают повышенный интерес среди профессионалов и коллекционеров. На деньги, выделенные на поездку за границу, Андрей Рябушкин объезжает почти все области, входившие когда-то в средневековую Московскую Русь. Этюды, зарисовки, копирование — вся работа за время поездки художника выплеснулась впоследствии в картины русского национального быта: динамичного, спокойного, напряженного, но всегда красочного.
1830 - 1897 г
Когда речь
заходит о замечательном русском пейзажисте Алексее Кондратьевиче Саврасове,
тотчас всплывает в памяти название его картины Грачи прилетели, а также
некоторые подробности последних лет жизни художника. Иногда встретишь
утверждение, что ничего лучшего Грачей живописец в последующие годы не
создал. И как-то опускается, что были у А. К. Саврасова и другие достойные
картины, что преподавателем он был незаурядным, что...
Что же касается Грачей, то ведь вполне логичен напрашивающийся вопрос: «А можно ли создать в пейзаже вообще что-то превосходящее эту картину?» Равновеликое, но иное можно. И создавалось. Но определение «превосходящее» здесь не уместно.
Живопись, как и большинство видов деятельности человека, имеет этапы «подспудного» развития. До А. К. Саврасова русские художники писали вненациональные пейзажи (наверное, не совсем верное утверждение, требующее уточнения). В 1871 году на первой экспозиции Товарищества передвижных художественных выставок (1871) картинами Грачи прилетели А. К. Саврасова и Оттепель Ф. А. Васильева было положено начало новому направлению в пейзажной живописи — русскому лирическому пейзажу. Можно сказать, что после саврасовских Грачей многие отечественные художники обратились к среде обитания простолюдина.
«...Саврасов радикально отказался от отношения к пейзажу как красочному сочетанию линий и предметов. Он избирал уже не исключительно красивые места сюжетом для своих картин, а, наоборот, старался отыскать в самом простом и обыкновенном те истинные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу. С Саврасовым появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле». Это сказал ученик об учителе. И. И. Левитан о А. К. Саврасове.
Что же касается последних печальных лет жизни художника, то они были. Хотя для нас важнее творчество одного из лучших отечественных пейзажистов.
1843 - 1902
Блестящего
художника академического направления
последней трети XIX века Генриха (Хенрика) Ипполитовича Семирадского мы не можем
безоговорочно назвать великим русским художником. Хотя родился он близ Харькова,
в котором получил первые уроки рисования и в котором по настоянию родителей
окончил физико-математический факультет Харьковского университета.
Но родился Хенрик в семье польского военного врача и, видимо, всю жизнь, если не внешне, то внутренне чувствовал себя поляком. Поэтому именно поляки считают его своим выдающимся живописцем, и его останки, наряду с останками других великих его соотечественников, покоятся в одном из костелов города Кракова.
Однако Г. И. Семирадский, безусловно, воспитанник русской художественной культуры. Тяга к живописи молодого Хенрика перевесила (и для его таланта это естественно) планы родителей в отношении жизненного пути сына. Он поступил и блестяще отучился (1865 - 1870) в Академии художеств Петербурга. Далее шесть лет российского пенсионерства за границей (Мюнхен — Рим). На всевозможных выставках Г. И. Семирадский представляет российское искусство. Постоянно проживая в Риме, он все же выезжал в Россию, в частности, для выполнения почетных заказов — принимал участие в росписях храма Христа Спасителя (1876 - 1879) и писал картины для Исторического музея (1883). Г. И. Семирадский являлся академиком (с 1873), профессором (с 1877) и членом Совета Императорской Академии художеств в Петербурге.
По сути, творчество Г. И. Семирадского интернационально, ибо основные темы его грандиозных полотен — сцены из античной и религиозной жизни. Творческое кредо художника — красота во всем: в изображении человеческого тела, в окружающей людей природе, в построении картины и технического воплощения замыслов. Именно поэтому его полотнами восхищалась вся Европа. Он почетный член академий художеств Берлина, Парижа, Рима, Стокгольма, Турина. Флорентийская галерея Уффици предложила художнику написать автопортрет для пантеона всемирных знаменитостей.
Что ж, судьба многих выдающихся живописцев во все века — исполнять своеобразную миссию наднационального мастера. Такова была судьба и россиянина Г. И. Семирадского, замечательными полотнами которого мы можем любоваться в отечественных музеях.
1855 - 1919 г
Будущий мастер пейзажа Николай Александрович Сергеев родился в Харькове. Живописи обучался у известного мастера и профессора Академии художеств Л. Ф. Лагорио. В восьмидесятые годы XIX века художник много пишет, участвует в выставках Академии художеств, ведет большую работу по продвижению изобразительного искусства. В эти годы появляются на экспозициях его незатейливые, но на достаточно высоком уровне выполненные картины с видами юга России: Водяная мельница (Малороссийский мотив), Татарский аул, Покинутая хата в Малороссии, Заглохшая речка, Пасека, Веемый шум ее коме умолк (Русалка), Казачья слободка, На проселке, У заливного луга, Хутора, В конце сада, Элегия, Тучка набежала, Залив Днепра и др. Художественная и общественная деятельность Н. А. Сергеева была оценена: в 1887 году он получил звание почетного вольного общника Академии художеств, в 1889 году был награжден орденом святого Станислава 3-й степени в поощрение деятельности на художественном поприще.
В 1910 году Н. А. Сергеев стал академиком пейзажной живописи.
1865 - 1911 г
Видимо, кому
суждено стать художником, тот
Талант, раннее знакомство с современными течениями в живописи, различающиеся своими воззрениями на художественное творчество учителя (И. Е. Репин и П. П. Чистяков) сделали из талантливого юноши универсального живописца, который своим творчеством являл переход русской живописи из века XIX в век XX.
Первые портреты В. А. Серова подтвердили мастерство и широкие возможности художника (Девочка с персиками, 1887; Девушка, освещенная солнцем, 1888). Впоследствии В. А. Серов проявил себя и как пейзажист, театральный художник, график, но слава первого портретиста его времени подтверждает, что наивысшие успехи художника связаны с этим направлением живописного искусства.
Хороши его ранние портреты: Мазини (1890), Коровина (1891), Левитана (1894). В. А. Серова интересует человек, его внутреннее творческое «я». Можно восхищаться детскими (особенно трудными для написания) портретами. Наконец, портреты позднего периода (Ермоловой, 1905; Г. Л. Гиршман, 1907; Иды Рубинштейн, 1910; княгини О. К. Орловой, 1911) показывают, что муки творчества продолжают терзать вроде бы всего достигшего художника. Быть может, они и стали причиной преждевременной кончины трудившегося до своих последних часов В. А. Серова
1814 - 1861 г
Итальянец российского происхождения Михаил Иванович Скотти родился в Петербурге. Рано потеряв родителей, он воспитывался в доме известного художника и преподавателя Академии художеств А. Е. Егорова. Осваивал художественное мастерство как в доме опекуна, так и в качестве вольноприходящего ученика Академии художеств. После окончания Академии (1835) зарабатывал на жизнь и творчество писанием портретов известных вельмож. С одним из покровителей (граф Кутайсов) отправился в Италию. Очевидно, внутренний темперамент художника быстро настроился на более кипучую, нежели в России, жизнь итальянского общества. Именно в эти годы своего первого пребывания в Италии (1839 - 1844) М. И. Скотти создает свои лучшие картины, связанные с бытом и нравами итальянцев.
После возвращения в Россию много работал над росписями церквей, писал портреты и преподавал в Московском училище живописи и ваяния (1849 - 1856). В 1856 году академик и профессор Академии художеств М. И. Скотти покидает Россию, в этот раз навсегда. Последние годы он живет, возможно, в более близкой ему по генам Италии.
1791 - 1848 г
Краткоe
перечисление основных вех жизни,
Многие живописцы занимались акварелью. Но достичь таких высот в акварельном портрете, на которые поднялся П. Ф. Соколов, удавалось единицам. Его слава портретиста-акварелиста была настолько велика, что не иметь его портрета в высшем обществе было признаком не слишком удавшейся жизни.
Действительно, талант П. Ф. Соколова восхищает. Портрет молодой женщины (1817), портреты Е. П. Бакуниной, Е. Т. Разумовской, Е. К. Воронцовой (1826), А. О. Витали (1839), Портрет неизвестной в голубой пелерине с горностаем (1843), полные красоты и очарования, действительно являются акварельными гимнами русским женщинам.
Нам интересно, близко и необходимо знать все, что связано с нашими отечественными гениями — А. С. Пушкиным среди первых. Художнику принадлежит одно из лучших изображений «солнца русской поэзии». Потому прикоснемся к тонкому и возвышенному мастерству (пусть представленному в репродукциях) нашего замечательного художника.
1869 - 1939 г
В русском
изобразительном искусстве существовало как бы два совершенно разных художника в
едином человеческом обличии Константина Андреевича Сомова, которому с его
талантом повезло родиться в семье, где все дышало искусством. Родители, имевшие
к нему (искусству) непосредственное отношение, стремились развить таланты и у
своих детей. Константин полностью оправдал их чаяния.
Проучившись в Академии художеств (1888 - 1897), в том числе какое-то время в классе И. Е. Репина, К. А. Сомов закрепил приобретенное умение в парижской частной студии Ф. Коларосси, где вместе с ним обучались молодые русские художники, объединившиеся впоследствии в союз «Мир искусства».
Дальше начинается непонятное.
«Первый» Константин Сомов становится известен как серьезный портретист, талантливо запечатлевший образы современников (современниц). Его портреты (А. К. Бенуа, 1896; Дама в голубом. Портрет Е. М. Мартыновой, 1900; А. П. Остроумовой, 1901; А. А. Блока, 1907; Е. Н. Носовой, 1911) выдвигают К. А. Сомова в число лучших в этом направлении живописи.
«Второй» Константин Сомов пишет странные картины с дамами, кавалерами, поцелуями и письмами, арлекинами и пышными прическами неопределенных времен и стран. Интересно, что писались портреты и «прически» в одно и то же время. Естественно, что искусствоведы объяснят причины появлений полотен «второго» К. А. Сомова. Но, видимо, и мы во многом правы, иронизируя по поводу маньеристских созданий живописца; как напишет уже не красками, а пером сам художник: «От маркиз и парков моих меня тошнит» (1914).
Портрет композитора Сергея Васильевича Рахманинова создан в переходный период жизни К. А. Сомова. Выехав в 1923 году с выставкой картин из Советской России в США, он завертелся в круговороте забот, новых знакомств и новой жизни, оказался во Франции, где и написал замечательный портрет великого русского композитора.
1858 - 1923 г
Не столь известный, как многие его друзья по живописному сообществу — И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. А. Коровин, Алексей Степанович Степанов пользовался любовью своих коллег, лично знакомых с художником, и симпатией любителей изобразительного искусства, хорошо знавших его пейзажно-жанровые либо пейзажно-анималистические работы: Лоси (1889), Деревня зимой (1890-е), Журавли лежит (1891), После охоты (1894), Глухая провинция, Сбор на охоту, Волки ночью, Волки у плетня (все — 1900-е).
Алексей Степанов окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) (1880 - 1884), в котором его учителями были И. М. Прянишников, Е. С. Сорокин, В. Д. Поленов. Побывал художник и на Западе. Там он познавал новые веяния в изобразительном искусстве и перенимал близкое и полезное для себя. Но больше А. С. Степанова влекли путешествия по России, по Волге. Он любил изображать на своих полотнах представителей животного мира, особенно лошадей. В начале XX века принимал участие в работе Товарищества передвижных художественных выставок, был одним из учредителей Союза русских художников. В 1905 году А. С. Степанов удостоен звания академика живописи, с 1899 по 1918 год он с успехом преподает в МУЖВЗ. Среди его учеников будущие известные советские живописцы — П. Д. Корин, А. А. Пластов, Л. В. Туржанский и др.
В жизни А. С. Степанов был на удивление скромным человеком. В нашей же памяти художник останется своими лирическими пейзажами, с населяющими их людьми, лошадьми, зверьем, дающими представление о жизни российской глубинки рубежа XIX - XX веков.
1850 - 1885 г
В русском изобразительном искусстве было несколько потенциально громадных талантов, творчество которых на взлете прерывалось болезнью или иными трагическими обстоятельствами. Большим художником обещал стать Руфин Гаврилович Судковский. Судьба словно торопила его живописный дар к творению. Не закончив духовной семинарии, Р. Г. Судковский поступает в Академию художеств. Но и она оказалась узковата для его широкого таланта. Проучившись в ней пять лет (1868 - 1873) и не закончив полного академического курса, молодой мастер уезжает совершенствоваться за границу.
В 1880-х годах он становится широко известным: его пейзажи и марины свидетельствуют о том, что в России появился живописец, близкий по масштабу дара к И. К. Айвазовскому и Ф. А. Васильеву. В 1881 году Р. Г. Судковскому присваивают звание академика. Его коллеги по живописному творчеству в редком единодушии признают его мощный, своеобразный талант. Но смерть приходит совершенно неожиданно. Р. Г. Судковский заболевает брюшным тифом и умирает, оставляя поколениям любителей живописи испытать великое благоговение перед своими творениями.
1848 - 1916 г
Повторим вопрос вождя мирового проле
тариата начала века минувшего (с некоторым изменением, конечно) и, потирая руки, спросим себя: кого в Европе можно поставить рядом с Василием Ивановичем Суриковым? И думается, что после некоторых размышлений и обращений к памяти сами себе с удовлетворением ответим: как исторического живописца — ни-ко-го! И, наверное, будем правы.Ибо масштаб и мощь В. И. Сурикова удивляют. Народ и личность, личность и народ в переломные моменты русской истории — основная тема полотен художника. Перечислим эти вехи, запечатленные живописцем: Утро стрелецкой казни (1881), Меншиков в Березове (1883), Боярыня Морозова (1887), Покорение Сибири Ермаком (1895), Переход Суворова через Альпы (1899), Степан Разин (1906). Его герои — несломленные трагическими обстоятельствами русские люди: стрельцы, человек фантастической судьбы А. Меншиков, непреклонная боярыня Морозова, полный сомнений и упрямства Стенька Разин. А рядом они же, но победители в драматических событиях: казаки Ермака, чудо-богатыри Суворова и сибирские удальцы при взятии снежной крепости из той породы.
Многочисленные этюды при работе над столь масштабными полотнами, самостоятельные портретные работы, пейзажи и бытовые картины В. И. Сурикова также являются существенным вкладом в отечественную живопись.
Отметим одно существенное свойство Сурикова-человека. Находясь в зарубежных поездках и внимательно изучая искусство стран Западной Европы, В. И. Суриков всегда объективно оценивал все лучшее, что создано талантами других народов. Но это и есть важнейшая черта настоящего патриота, пример которого являет наш удивительный живописец.
1776 - 1857 г
К счастью для всех любителей изобразительного искусства, от современных Василию Андреевичу Тропинину до его почитателей наших дней, Бог вложил в художника не только огромный талант живописца, но и великие смирение и мудрость. Иных объяснений трагично-оптимистичной судьбы замечательного отечественного портретиста, пожалуй, не найти.
Приложенный в качестве приданого невесты графских кровей в семью других графских кровей молодой крепостной Василий Тропинин, к тому времени замеченный в несомненных художественных талантах, поселяется в имении новых хозяев, откуда вскоре его отправляют в Петербург учиться кондитерскому делу.
Юноша тайком посещает рисовальные классы Академии художеств. Когда талант В. А. Тропинина становится очевидным и для хозяина, тот устраивает своего крепостного «посторонним учеником» в Академию. Молодой художник специализируется в портретной мастерской С. С. Щукина, ему симпатизирует президент Академии художеств граф А. С. Строганов, но следует еще один крутой поворот в судьбе В. А. Тропинина: хозяин прерывает учебу своего крепостного и отсылает его в свое имение на Украине, чтобы использовать в качестве... кондитера и лакея. Вскоре одна прихоть хозяина сменяется другой: В. А. Тропинин обязан украсить новую усадьбу копиями картин известных художников, полотнами семьи и портретами хозяев-благодетелей. Огромную работу проводит уже зрелый годами и состоявшимся талантом художник по росписи местной церкви. Об этом времени В. А. Тропинин вспоминал: «Я мало учился в Академии, но научился в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, и эти мои работы, кажется, лучшие из всех до сих пор мною написанных».
Только в 47 лет, в Москве, к художнику приходит свобода, а к нам приходит тот В. А. Тропинин, которого мы знаем и которым восхищаемся. Напомним лишь некоторые работы из великого наследия живописца: Портрет Арсения Васильевича Тропинина, сына художника (около 1818), Портрет Александра Сергеевича Пушкина (1827), Автопортрет с кистями и палитрой на фоне окна с видом, на Кремль (1844) и, наконец, знакомые нам с детства портреты незнакомок из простолюдинов, среди них и Золотошвейка (1826).
1815 - 1852 г
За шесть лет работы этот талантливейший художник испытал и необычайный взлет популярности и признания при первом же появлении его картин на публике, и настоящую трагедию в конце жизни. Своими картинами— Свежий кавамр (18б6), Разборчивая невеста (1847), Сватовство майора (1848), Завтрак аристократа (1849), Вдовушка (1851), «Анкор, еще анкор!» (1851 - 1852), Игроки (1852) — живописец положил начало направлению в русском искусстве, ставшему преобладающим во второй половине XIX века, — бытовому критическому реализму. Конечно, речь идет о Павле Андреевиче Федотове, писавшем с юмором о себе в третьем лице:
«Павел Федотов родился в Москве, у Харитонья в Огородниках; в Москве же в корпусе был кадетом и в числе нескольких считался способным к живописи, но охотнее всего занимался математикой и химией и в 1833 году при выпуске первым в гвардию был отмечен в рисовании и черчении ситуационных планов ленивым...
Близкое соседство на Васильевском острове Академии и лейб-гвардии Финляндского полка, в котором служил, дало возможность походить иногда в свободные часы в вечерние рисовальные классы Академии поучиться... Сладко недостаточному и без связей человеку попасть туда, где каприз фортуны нипочем. Дорога открыта всякому...
Сверх того, думая сделаться баталистом, начал изучать коня со скелета, но старая страсть к нравственно-критическим сценам из обыкновенной жизни, прорывавшаяся уже и прежде, очень естественна у человека, у которого из средств к наслаждению были только глаза — глядеть на наслаждения других и уши про это слушать...
Но каково его удивление, когда является с приглашением от К. Брюллова ученик его и, явясь пред страшным судьей, Федотов был встречен самыми лестными похвалами. Картины были налицо на квартире больного тогда Брюллова; ему кто-то из профессоров принес, как что-то стоящее внимания...
Кто был на прошлогодней выставке в Петербурге, тот знает влияние этих картин на публику. Вероятно, он около них не озяб».
1881 - 1955 г
Большую часть своей российской жизни Николай Иванович Фешин провел в Казани. В этом городе он родился, окончил художественную школу и после обучения в Академии художеств (1901 - 1908) возвратился на свою малую родину, чтобы писать замечательные портреты и преподавать в столь близком ему учебном заведении.
Портреты Н. И. Фешина быстро привлекли внимание специалистов и любителей живописи. В технике их исполнения угадывалось влияние наставника художника в Академии — И. Е. Репина.
Большинство портретов (Портрет неизвестной, 1908; Портрет Катеньки, 1912; Автопортрет) выполнено с тонкой проработкой выделяющегося лица и декоративным, размытым фоном, написанным широкими, свободными мазками. Случалось, что техника исполнения картин становилась иной, более традиционной (Портрет Вари Адоратской, 1914; Портрет Н. М. Сапожниковой на фоне стены, 1916).
После революции 1917 года Н. И. Фешин работал и над портретами руководителей советского государства (В. И. Ленина, 1918; А. В. Луначарского, 1920), выполненными также в самобытном стиле художника.
Видимо, писать вождей не очень понравилось Фешину, ибо уже в 1923 году он уезжает в США, где еще в 1910 году на выставке русского искусства демонстрировались его первые работы, получившие положительный отклик прагматичных американцев. В новой для себя стране художник много работает — художественное умение мастера, выросшего в России, было по достоинству оценено и в Соединенных Штатах.
1840 - 1922 г
Замечательный колорист, мастер портрета и бытовых сценок, с не
пременным участием в них детских персонажей, Алексей Алексеевич Харламов получил академическое образование (1857 - 1868) под руководством А. Т. Макарова. Его итоговая работа Возвращение блудного сына была оценена золотой медалью и правом на пенсионерскую поездку за границу, находясь в которой он побывал в Германии, Франции, Бельгии и Англии. Из поездки А. А. Харламов привез среди прочего высоко оцененную копию Рембрандта Анатомия доктора Тюлъпа.Правда, последователем великого голландского художника А. А. Харламов не стал. Он сосредоточился на создании портретов современников (Портрет писателя И. С. Тургенева, Портрет актрисы П. А. Стрепетовой, Портрет С. М. Третьякова, Портрет Е. А. Третьяковой) и на писании многочисленных этюдов, детских головок, фигурок, жанровых сцен (Бабушка с внучкой, Мальчик с книгой, Урок музыки). Творчество живописца имело определенный успех и официальное признание. А. А. Харламов — член Товарищества передвижных художественных выставок (1872), в 1874 году ему присвоили звание академика. Особенности таланта оригинального мастера ярко проявляются в представленных здесь его работах.
1838 - 1869 г
Сын боевого
генерала Вячеслав Григорьевич Шварц был исключительно одаренным человеком. Общее
среднее образование он получил в Александровском (бывшем Царскосельском) лицее,
где за все годы обучения (1853 - 1859) шел первым учеником. Там же у него
проснулась страсть к рисованию, которую он утихомиривал, рисуя пером все и всех,
в том числе проделывая это с большим успехом на обычных уроках. После Лицея В.
Г. Шварц успешно сочетает учебу на историко-филологическом факультете
Петербургского университета с посещением Академии художеств, где берет уроки
батальной живописи у известного профессора Б. П. Виллевальде (1859 - 1863). Его
рисунки пером приносят ему серебряные медали Академии. Особенно удался В. Г.
Шварцу рисунок углем на картоне Иоанн Грозный у тела убитого им сына
(1861), где персонажи изображены в натуральную величину. Впоследствии именно
шварцевский Иван Грозный служил прототипом для большинства живописцев,
изображавших русского царя. Видимо, осознав, что живопись является его основным
призванием, В. Г. Шварц стажируется в течение нескольких месяцев в Германии, где
осваивает работу масляными красками. В 1864 году он выполняет живописный вариант
своего картона Иоанн Грозный.., правда, в несравненно меньших, чем
картон, размерах, получает за картину очередную серебряную медаль и звание
классного художника. Далее последовала блестящая серия работ на сюжеты из
русской истории, звание академика (1865) и действительного члена Русского
археологического общества (1867). Менее чем за девять лет занятий
изобразительным искусством В. Г. Шварц стал фактически родоначальником новейшей
русской исторической живописи. В 1868 году художник был избран предводителем
дворянства Щигровского уезда Курской губернии. Его работа отличалась редкой
самоотдачей и участием в решении дел своих земляков.
Ранняя смерть вызвала искреннее сожаление всех знавших В. Г. Шварца как замечательного живописца, рисовальщика, человека и гражданина.
1861 - 1919 г
Быть учеником И. И. Шишкина и не испытать вли
яния столь мощной человеческой и творческой натуры — такого, наверное, быть не могло. Поэтому понятно, что среди пейзажей Андрея Николаевича Шильдера можно найти изображения шишкинских сосновых лесов, заваленных снегом непроходимых чащоб, родников среди деревьев. Но понятно и другое: чтобы достичь эпической величавости Шишкина, нужно быть не меньшей глыбой в живописи, что и он. И потому, рассматривая такие работы А. Н. Шильдера, как Туман в горах, Ручей в лесу, Овраг, Парк, Дача в Финляндии, Березовый лес, отмечаешь большую мягкость, лиричность, какую-то домашность в изображении природы, словно пейзажи художника сделали шаг, несколько шагов в направлении творений И. И. Левитана. В 1903 году А. Н. Шильдер стал академиком пейзажной живописи. Особую известность ему принесла большая панорама заводов Нобеля Город, которую художник написал к Нижегородской всероссийской выставке 1896 года. Интересна картина Село. Закат: она, видимо, одна из последних работ художника. Незатейливая окраина бедной деревушки. Отвоеванные у предлесья клочки земли. Скудный урожай собран. Впереди зима, не обещающая ничего доброго (год написания-то пейзажа — 1919). И все же жизнь должна продолжаться. И природа, споря с надвигающейся осенью, подарит еще много теплых минут, а то и часов. Нас же пусть согревает знание того, что работы А. Н. Шильдера представлены во многих областных художественных музеях и галереях.
1832 - 1898 г
Говорят, он и в жизни был сродни многим «персонажам» своих картин: могучим дубам из полотен «Среди долины ровным...» (1883), Дубовая роща (1887) или выдерживающим любой напор природы соснам из холстов Рожь (1878), Сосна Мерикюлъ (1894), Корабельная роща (1892). Таким же необычайно стойким и сильным, с крепкими мужицкими руками. Конечно, Иван Иванович Шишкин — уникальное явление в русской живописи, к яркой индивидуальности которого, пожалуй, мало кто приближался. Понятно, что в богатом пейзажными традициями русском изобразительном искусстве второй половины XIX века были гиганты, подобные И. И. Шишкину (Ф. А. Васильев, А. И. Куинджи, И. И. Левитан). Но они были сгруппированы направлением, получившим определение «лирический пейзаж». И.И. Шишкину присваивалось звание эпического пейзажиста, что, возможно, правильно. Хотя что может быть лиричнее полотен Полдень. В окрестностях Москвы (1869), Рожь (1878), Утро в сосновом лесу (1889). Иное дело, что лиризм Шишкина жизнеутверждающий, оптимистичный. И, чтобы его почувствовать, необходимо, к примеру, родиться деревенским жителем средней полосы России (речь идет о картине Рожь), а не москвичом, которому, наверное, ближе саврасовские Грачи прилетели.
И. И. Шишкин закончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества (1852 - 1856), Академию художеств (1856 - 1860), стажировался как пенсионер в Германии (1862 - 1865), везде поражая учителей и соучеников умением рисовать карандашом и пером, силой физической и духовной.
Академик (1865) и профессор (1873) Академии И. И. Шишкин утверждал в своих пейзажах понятную большинству соотечественников красоту родной природы. А вместе с ней и талант русских живописцев: «Мы по невинной скромности себя упрекаем, что писать не умеем или пишем грубо, безвкусно и не так, как за границей, но, право, сколько мы видели здесь и в Берлине, — у нас гораздо лучше...»
1791 - 1830 г
Популярность русского худож
ника в Риме и особенно в Неаполе была столь велика, что он делал по иным своим картинам до десятка авторских копий — даже избалованные итальянцы хотели стать обладателями его холстов. Да и были на то причины, ибо Сильвестр Феодосиевич Щедрин достиг высот пейзажной живописи того времени. Этому в большой степени способствовала и внешняя манера письма художника: в отличие от большинства современных ему мастеров он много писал на натуре.Родился Сильвестр Щедрин в семье известного скульптора екатерининских времен. Его дядя — Семен Щедрин — был известный живописец-пейзажист и преподаватель ландшафтного класса Академии художеств. Юный Сильвестр Щедрин прекрасно прошел курс Академии художеств (1800 - 1811), которую окончил с большой золотой медалью и правом пенсионерской поездки в Италию. Правда, выехать в этот солнечный край он смог лишь в 1818 году. До отъезда молодой художник пишет виды Петербурга и его окрестностей, принесшие ему известность. Настоящая же слава пришла к нему все же в Италии. Его пенсионерство кончилось в 1823 году, но на родину Сильвестр Щедрин так и не выехал. Причин тому несколько, и, возможно, главная из них — тяжелая болезнь, которая требовала возрастающего лечения и пребывания в теплых краях. Умер живописец в неполные сорок лет, оставив после себя замечательные полотна. Лишь меньшая часть его художественного наследия была переправлена в Россию, где его произведения радуют многочисленных почитателей замечательного русского пейзажиста.
1846 - 1898 г
Особое место в истории отечественной живописи (да и в жизни российского общества) занимал в 1880 - 1890-е годы Николай Александрович Ярошенко. Художественное образование молодой Н. А. Ярошенко получил параллельно с основным — военно-техническим. Он имел несомненный талант к изобразительному искусству и большое желание получить художественное образование. Поэтому занимался вначале под руководством A. М. Волкова и И. Н. Крамского, затем был вольноприходящим студентом в Академии художеств (1867 - 1874).
Оставив военную службу в зрелом возрасте в чине генерал-майора и звании профессора военной академии (1892), Н. А. Ярошенко полностью сосредоточился на художественной и общественной деятельности. Его нравственный авторитет в художественных и демократических кругах России был необычайно высок. Именно Н. А. Ярошенко после смерти И. Н. Крамского стал идейным руководителем Товарищества передвижных художественных выставок.
Творчество художника формировалось в российских реалиях того времени. Набирающее силу мирное демократическое движение (в отличие от террористов «Народной воли») вызывало симпатии в кругах интеллигенции страны. Среди друзей Ярошенко — В. М. Гаршин, В. Г. Короленко, Л. Н. Толстой, Г. И. Успенский, B. С. Соловьев. Болевые точки общественной жизни находили отражение в работах живописца (Кочегар, 1878; Студент, 1881; Курсистка, 1883; Всюду жизнь, 1888), вызывавших широкий отклик в различных слоях общества.
Н. А. Ярошенко был художником большого творческого диапазона: его будившие мысль сцены бытовой жизни соседствовали с портретами близких ему людей и написанными во время многочисленных путешествий и поездок пейзажами, полными внутренней лирики и любви к природе.
Сам большой патриот, Н. А. Ярошенко приветствовал деятельность П. М. Третьякова (1879): «Нет сомнения, что помимо любви к искусству еще и сознание пользы, какую оно принесет обществу, — побуждает вас постоянно пополнять галерею, чтобы она была по возможности полной и всесторонней выразительницей русского искусства...»
С 1892 года Н. А. Ярошенко жил в Кисловодске, много делая для укрепления и продвижения художественной культуры в южных областях России.
Ныне в южном курортном городке страны Кисловодске имеется уютный мемориальный музей-усадьба замечательного отечественного художника и гражданина — Н. А. Ярошенко.
|
|
|
|
|
|
